Le goût du corps

Textes choisis et présentés par Christophe Apprill, Mercure de France, 2017.
Parmi nos goûts ordinaires, celui du corps de l’Autre, indissociable du mien, occupe une place majeure. Il nous conduit dans des interactions obligées avec une surface vivante, décrite par un éventail de disciplines scientifiques. Le corps est partout (où n’est-il pas ?). Il parle et la sémiotique s’en empare ; il constitue une surface où s’imprime le social et les sociologues lui tombent dessus. Il devient malade et le corps médical s’en préoccupe ; mélancolique et les apôtres du développement personnel préconisent séminaires, massages et techniques respiratoires. Au quotidien, quand bien même nous ferions tout pour en gommer la présence, notre corps nous accompagne partout. A chaque période de notre existence, il se rappelle à nous de manière plus ou moins insistante. Louvoyant, la littérature se saisit rarement frontalement de cette évidence. Le corps apparaît par la bande, relevant plutôt d’un surgissement, tantôt doux, jouissif, amer ou douloureux.

Séance Elina Djebbari, « Le Corps comme archive »

Bibliographie

Argyriadis Kali, 2005, « Les batá deux fois sacrés. La construction de la tradition musicale et chorégraphique afro-cubaine », Civilisations 53, 1-2 : 45-74.

Bithell Caroline, 2006 « The Past in Music: Introduction », Ethnomusicology Forum 15, 1 : 3-16.

Buckland Theresa Jill, 2001 « Dance, Authenticity and Cultural Memory: The Politics of Embodiment », Yearbook for Traditional Music 33 : 1-16.

Daniel Yvonne, 2011 Caribbean and Atlantic Diaspora Dance. Igniting Citizenship. University of Illinois Press.

Franco Susanne, 2015 « Reenacting Heritage at Bomas of Kenya: Dancing the Postcolony », Dance Research Journal 47, 2 : 3-22.

Gilroy Paul, 1993 The Black Atlantic : Modernity and Double Consciousness. Cambridge, Harvard University Press.

Lepecki André, 2010 « The Body as Archive: Will to Re-Enact and the Afterlives of Dances », Dance Research Journal 42, 2 : 28-48.

Nora Pierre, 1997 [1984], « Entre histoire et mémoire » in Pierre Nora, Les Lieux de mémoire, tome 1. Gallimard, Paris : 23-42.

Puig Nicolas, 2006 « ‘Shi filastini, quelque chose de palestinien’. Musiques et musiciens palestiniens au Liban : territoires, scénographies et identités », Tumultes 2, 27 : 109-134.

Rothberg Michael, 2010 « Introduction: Between Memory and Memory: From Lieux de mémoire to Noeuds de mémoire », Yale French Studies 118/119 : 3-12.

Taylor Diana, 2003 The Archive and the Repertoire: Performing Cultural Memory in the Americas. Durham, NC, Duke University Press.

Séminaire 2016-2017, Musique et corps

Attention la salle change cette année ! Salle 11, 3ème étage

Le 3e mardi du mois de 10 h à 13 h (salle 11, 105 bd Raspail 75006 Paris), du 15 novembre 2016 au 16 mai 2017. Séance conclusive le 6 juin (même heure, même salle)

Dans le prolongement du séminaire de l’année dernière consacré à l’ethnographie du sensible et aux modalités de la restitution de l’expérience, nous aborderons cette année la question du rôle du corps à la fois comme outil d’investigation et comme objet d’analyse en anthropologie de la musique et de la danse.

Au cœur de ces séances, trois corps – des corps mis en scène, donnés en spectacle, tenus à distance ou fusionnés :

  • le corps du chercheur : au-delà de la participation observante, l’implication du corps comme moyen d’enquête et d’analyse ;
  • le corps de l’artiste. Un corps étudié notamment comme support de la création artistique, participant de cette création, mais aussi objet/ œuvre d’art ;
  • le corps du public/du spectateur, modalité d’expression de l’admiration, de l’attachement.
Ces corps seront appréhendés à la fois comme lieux de construction culturelle, sièges des émotions, réceptacles et éléments de construction d’identités diverses… Nous nous pencherons également sur les relations entre ces corps : relations de transmission (de savoirs, compétences, techniques, émotions), de domination, de séduction…

Notre objectif sera d’explorer l’éventail des déclinaisons corporelles, depuis les formes les plus extériorisées (mise en scène et apparences), jusqu’aux formes les plus intériorisées (sensations, incorporations, voire incarnations).

22 novembre 2016 : Introduction

14 décembre 2016 : Christophe Apprill, « Les leçons particulières d’un cours particulier »

17 janvier 2017 : Gabriel Segré, « Fans et spectateurs : corps dévoués, corps signifiants, corps socialisés »

21 février 2017: Elina Djebari, « Le corps comme archive »

21 mars 2017 : Julien Mallet, « Corps féminin et musiques ‘chaudes’ à Madagascar ».

18 avril 2017 : Dina Roberts (psychiatre, Pôle Paris-Centre, Hôpitaux de St Maurice) et Guillaume Martinet (jongleur, Compagnie Defracto), « La présence corporelle : rencontre du jonglage et de l’hypnose ».

16 mai 2017 : Kali Argyriadis, « Dieux-objets et corps possédés (Cuba, Mexique) »

6 juin 2017 : séance conclusive

Séminaire 2014-2015

 

Terrains « saturés » : une approche par la musique et la danse

Certains terrains ou « lieux anthropologiques » font l’objet d’un investissement important en vertu de leur densité relationnelle, politique, sémantique et/ou symbolique. Ces terrains sont particulièrement saturés d’interprétations, celles des acteurs et celles des observateurs, et ils sont parcourus de tensions et d’oppositions entre les différents individus et groupes qui le fréquentent. Tel est le cas d’espaces stigmatisés comme les  marges des cités, de villes sinistrées, de cultes qui heurtent l’opinion publique ou encore de causes cristallisant indignations et polémiques. Autant de lieux dont l’abord est difficile à l’anthropologue et qui font l’objet d’analyses qui tendent à se concentrer sur les points les plus tangibles, au risque de restituer les discours dominants et de laisser dans l’ombre une part importante de l’activité sociale et symbolique déployée dans ces espaces.

Nous voudrions montrer dans ce séminaire qu’une approche par la musique et la danse offre à la fois un accès plus aisé à ces terrains spécifiques et permet de décentrer le regard et de renouveler la connaissance sur des objets particulièrement investis par la recherche.

Dit autrement, l’intérêt attendu d’un passage par le prisme de la musique et de la danse dans l’étude des faits sociaux est à la fois méthodologique (accéder à des terrains saturés) et heuristique (apporter un renouvellement des connaissances).

Différents intervenants, membres ou non de l’équipe MUSMOND, apporteront donc des éléments permettant d’étayer cette proposition en montrant comment la musique et la danse peuvent être mobilisées au service de l’étude de catastrophes, de pratiques religieuses, de contestations politiques, de transactions sexuelles et culturelles ou encore de transformation des espaces publics.

Calendrier 2014-2015 :

18 novembre 2014 : Introduction générale

Nicolas Puig, (Université Paris-Diderot, IRD/Urmis) « Du Caire aux camps palestiniens : la musique comme analyseur social »

Dans cette séance du séminaire nous reviendrons sur différents terrains de recherche en Égypte et au Liban dans lesquels les pratiques musicales ont constituées des entrées privilégiées pour interroger des mondes urbains et sociaux caractérisés par leur densité relationnelle, symbolique, politique, etc. Tout d’abord, les musiciens de mariage au Caire forment une profession mobile par nature et, dans leur sillage, il est possible d’appréhender la société citadine cairote dans ses « intérieurs » à l’occasion de rituels urbains complexes dans lesquels s’échangent dons et salutations. Au-delà des situations, les musiciens développent une connaissance de la ville et de ses différents espaces sociaux édifiée le long de géographies professionnelles. Les musiciens palestiniens au Liban construisent de telles géographies en s’insérant dans les espaces libanais dans le cadre de leur métier. Au demeurant, les camps de réfugiés Palestiniens au Liban sont aussi des lieux de musique. Les envisager sous l’angle des pratiques musicales qui y prennent place permet de réinterroger les différents évènements et commémorations en rythmant l’ordinaire aussi bien que les expériences quotidiennes. L’abord par la musique est, en effet, susceptible de ménager un accès à l’espace collectif de la communauté palestinienne, espace collectif que Michael Herzfeld désigne par  la notion d’« intimité culturelle ». Au-delà même de cette « intrusion » dans le privé de la nation (une nation sans État), il devient possible de contextualiser la rhétorique politique liée à la cause palestinienne et de replacer l’individu et le quotidien au centre du projet de connaissance.

16 décembre 2014 : Julien Mallet (Université Paris-Diderot, IRD/Urmis), « « Stars de la côte » à Madagascar : Musiques « mafana » ou l’art d’un branchement qui bouscule les stigmates »

A Madagascar, des musiques auparavant prises dans divers contextes exclusivement régionaux sont depuis quelques années diffusées à la capitale et à l’échelle nationale. Un des changements notables dans les représentations, réside dans le passage de référents identitaires liés aux appartenances régionales et/ou ethniques à des référents (notamment assignés par les médias de la capitale) appartenant à un registre globalisant « musiques mafana » (« chaudes »). Certains des artistes pris dans cette catégorie construisent de nouvelles formes musicales associant répertoires régionaux ou ethniques et formes modernes internationales, notamment en affirmant et revendiquant une appartenance « Black » par des emprunts à des genres musicaux africains modernes (coupé-décalé, dombolo mais aussi rap, RnB…).  Ce phénomène récent, en puisant dans des référents et codes ethniques régionaux et internationaux, renvoi à des imaginaires multiples. Il est aussi à comprendre dans un contexte historique (encore actuel) de relations interethniques au niveau national, héritées du système colonial et mobilisant des représentations stéréotypées et stigmatisantes entre « merina » (groupe ethnique historiquement dominant, de la capitale) et « côtiers », à travers des oppositions « blancs » / « noirs », « de type asiatiques » / « de type africains », « civilisés »/ « sauvages », …
En analysant l’émergence de ces « stars de la côte » nous verrons comment la musique est un support particulièrement heuristique pour analyser les constructions identitaires et les imaginaires contemporains liés à ces relations interethniques historiquement conflictuelles. Nous aborderons également les difficultés qui se posent au chercheur travaillant sur un sujet tabou, sensible et régulièrement manipulé par les politiciens.

20 janvier 2015 : Christian Rinaudo (Université de Nice-Sophia Antipolis, Urmis), « Son jarocho entre Mexique et Etats-Unis : circulation et racialisation d’une pratique en diaspora »

L’activisme politique et culturel du mouvement chicano à Los Angeles constitue sans aucun doute un terrain “saturé”. Très étudié depuis les années 1970, il a fait l’objet de nombreuses publications et il est aujourd’hui au coeur des recherches menées par les “Chicano Studies” aux Etats-Unis. Dans ce contexte, le détour par une anthropologie de la musique et de la danse et en particulier par l’étude de l’appropriation récente par les activistes chicanos d’une pratique musicale et festive originaire du Mexique, à savoir le son jarocho et les fandangos communautaires, permet d’aborder des questions souvent laissées dans l’ombre des recherches menées sur ce terrain. Défini comme un genre musical originaire de Veracruz et comme un produit du métissage de différents univers culturels (espagnols, africains, indigènes), le son jarocho a été considéré pendant longtemps comme une des composantes constitutives de l’héritage culturel mexicain. Au début des années 1970, quelques musiciens et universitaires ont commencé à questionner les dérives commerciales et folklorisantes de cette pratique. L’objectif était de récupérer la tradition maintenue dans sa zone d’origine et de “dé-blanchir” la représentation du “jarocho” construite à partir de l’incorporation du genre au répertoire des manifestations culturelles administrées depuis les institutions mexicaines. A partir des années 1990-2000, la collaboration entre la nouvelle génération de musiciens de Veracruz et le mouvement chicano à Los Angeles va multiplier les propositions de production d’une mémoire commune. C’est à travers ce processus, loin des lieux de fabrique du discours nationaliste mexicain que la rencontre avec l’héritage “afro” de cette pratique va prendre une forme nouvelle.

3 février 2015 : Christophe Apprill, « Danses et espaces publics : faire face aux fictions théoriques »

L’espace public est soumis à trois injonctions contemporaines : celle de la représentation (la ville comme aire de jeu), de la démocratie (ce qu’on peut y faire et ne pas y faire) et de l’appropriation (par le corps et le langage). Dans ce contexte, quelle valeur attribuer aux danses sociales et chorégraphiées qui le traversent, nous dit-on, par effraction ? Le corps du danseur devient –il l’incarnation de ces injonctions ? Ces traversées dansantes sont-elles l’expression d’une liberté retrouvée ou d’une normativité consentie ? L’espace public n’est-il pas une figure rhétorique obligée de la société de spectacle où la performance dansée vient bouleverser amoureusement l’ordre du discours des dispositifs culturels ?

17 mars 2015 : Altaïr Despres (Labex CAP), « De la danse contemporaine en Afrique aux relations d’intimité transnationale : retour sur un parcours de recherche »

Au-delà des difficultés d’ordre méthodologique qui se posent, en Occident comme ailleurs, dans l’étude de l’intimité, les pratiques de sexualité en Afrique constituent un terrain particulièrement « saturé ». Au pouvoir de fascination populaire qui les entoure depuis l’époque coloniale, s’est ajouté à partir des années 1980 un intérêt de recherche surdéterminé par la question de la transmission du VIH/sida, contribuant à la singularisation, sinon à la stigmatisation des sexualités sur le continent africain. L’entrée – certes « accidentelle » – sur le terrain de l’intimité par l’étude de la danse contemporaine en Afrique s’est avérée heuristique pour reformuler ces problématiques. En effet, le constat effectué sur le terrain selon lequel les stratégies mises en place par certains danseurs pour entretenir des rapports d’intimité avec des femmes occidentales visaient, de façon décisive, à obtenir un soutien culturel au développement de leur carrière professionnelle, a conduit à relativiser l’importance des enjeux économiques dans la structuration les relations intimes transnationales. La focale mise sur l’organisation de la pratique chorégraphique en Afrique a ainsi permis de renouveler la réflexion sur la sexualité et la conjugalité en Afrique en insistant sur les logiques d’accumulation culturelle qui sont à l’œuvre dans les rapports d’intimité.

14 avril 2015 : Kali Argyriadis, (Université Paris-Diderot, IRD/Urmis) « Où est ta douleur ? La Santa Muerte par les mariachis »

Alors que la société mexicaine est frappée par la recrudescence de la violence liée au trafic de drogue, le culte à la Santa Muerte, soupçonné de fomenter les crimes rituels, subit une campagne d’accusations extrêmement violente dans les médias. Dans le même temps, tandis que l’Église catholique brandit le spectre du narcosatanisme et autorise les exorcismes collectifs, de nombreux chercheurs l’érigent en symbole de résistance des classes populaires face à la corruption, à la crise, aux abus de pouvoir de la classe dominante et à l’impunité des criminels. Au-delà de ces affrontements qui saturent et biaisent d’emblée l’analyse, une approche de cette dévotion par sa dimension festive (à partir d’un terrain dans la ville de Veracruz) permet d’en saisir la logique communautaire, charismatique et para-ecclésiale.

19 mai 2015 : Sara Le Menestrel, « « Music is not a crime ! » La législation sur la musique live dans La Nouvelle Orléans post Katrina ».

La musique est emblématique de La Nouvelle Orléans. L’ouragan Katrina en 2005 n’a fait que renforcer ce lien entre la scène musicale et la ville en suscitant nombre de publications, de disques et de productions audio-visuelles soulignant à quel point leurs destinées étaient indissociables. Ces dernières années, les litiges sur la législation en vigueur concernant la musique live ont mis en lumière les dissensions entre différents acteurs de l’arène publique (municipalité, acteurs de la scène musicale et associations de quartiers). L’analyse de ces débats met en lumière des perceptions conflictuelles du bruit et de la spécificité de la ville et fait surgir la notion d’espace public comme un espace de contestation qui reflète des processus à l’œuvre au-delà des frontières louisianaises. Elle permet ainsi de ne pas cantonner La Nouvelle Orléans à une ville unique et à une position périphérique qui perpétue sa vulnérabilité politique, sociale et environnementale, en inscrivant ces conflits dans des débats plus larges sur le contrôle et la délimitation de l’espace public.

2 juin 2015 : Autour de la notion de saturation.

 

L’espace de relation dans le tango : modernité ou folklore ?

Que nous racontent les photos contemporaines de danseurs de tango sur l’espace de relation entre les partenaires ? Ces images expriment-elles des modes de relations composés seulement pour des besoins de communication ou de représentation ? Y est-il question de relation paritaire entre l’homme et la femme, où chacun des partenaires pourrait faire valoir ses prérogatives selon un mode égalitaire ? En nous centrant principalement sur les formes hégémoniques de pratique observées en bal, nous analyserons les tensions entre modernité et folklore qui traversent et structurent les images, la pensée et la pratique de la danse tango contemporaine.

Conférence de Christophe Apprill au colloque TangoMedia Wokshop, Université de Freiburg – 31 janvier, 1er février 2014.
http://www.christopheapprill.fr/CadreSoc/SocioFS.html

L’enseignement des danses du monde et des danses traditionnelles – Christophe Apprill, Aurélien Djakouane, Maud Nicolas-Daniel – L’Harmattan – 2013.

Les danses du monde et les danses traditionnelles ne disposent pas d’un cadre
législatif qui réglemente leur enseignement. Pourtant, ces danses sont massivement
pratiquées en France dans un espace social qui mêle tradition, revivalisme et créativité.
Dans quels cadres se déroulent les cours ? Quels sont les profils des professeurs ?
Comment appréhendent-ils la question des risques liés à la pratique chorégraphique ?
Comment se positionnent-ils par rapport à l’idée d’une réglementation de leur danse ?
Table des matières – Bon de commande

 

Séminaire « De la création à la réception musicale : production de sens et recompositions », 2013-2014

http://www.ehess.fr/fr/enseignement/enseignements/2013/ue/245/

Ce séminaire propose d’explorer la notion de créativité musicale et chorégraphique en tenant compte de toutes les étapes inhérentes au processus créatif, depuis la composition jusqu’à la réception et à la diffusion d’une œuvre ou d’un événement, dans un contexte mondialisé de circulations des pièces et des répertoires.

Au sens propre et de façon évidente, la composition renvoie à la création culturelle. Mais elle peut aussi, dans un sens métaphorique, être appréhendée sous l’angle des agencements ou des « façons d’assembler » : des sons, des gestes, des matériaux qui peuvent, le cas échéant, rendre visible les indexations à des univers culturels disjoints et hétérogènes. On pourra également envisager la « composition » (et le fait de « composer avec ») comme une transaction complexe, qui se jouerait entre un ou plusieurs « créateurs » et leur public, partie prenante de la performance et donc de la création. On se demandera si l’appropriation des moyens technologiques actuels permet le passage d’une réception active (structure pyramidale ?) à une réception générant des formes inédites de composition et de diffusion (configuration horizontale ?), au travers de la production de sens, de produits, d’œuvres et de pratiques.

Il s’agira ainsi d’analyser le processus créatif en tenant compte à la fois des dynamiques d’innovation et de créativité individuelles, des contraintes liées aux objets eux-mêmes et aux contextes, et des dynamiques de réception. Cette démarche s’inscrira dans une volonté de dépassement des paradigmes du métissage et de la création pour comprendre et décrire les mécanismes de transformations, de création, d’adaptation et d’ajustements (ces termes n’étant pas limitatifs), en partant du terrain et en réintroduisant l’individu dans l’analyse des interactions musicales et chorégraphiques.

Calendrier :

12 novembre (attention changement de salle et d’horaire : salle 2, 105 bd Raspail 75006 Paris de 11 h à 14 h) : « Composer avec : contextes, situations »

17 décembre :  » Composer avec : Bricolage et syncrétisme

21 janvier : « Les états de la performance : Formes d’interactions, médiateurs »

4 février : « Les états de la performance :Transe et conscience altérée »

18 mars : « Diffusion :  Construction de la postérité »

Attention changement de date 8 avril : « Diffusion : Circulations des interprètes et des répertoires

20 mai : « Réception: La réception comme processus de création

3 juin : « Réception: Censure et création »

Les Audaces du tango, Petites variations sur la danse et la sensualité

 

photo couv Transboreal
Le tango désigne depuis plus d’un siècle une danse dont on a pu dire qu’elle est une pensée triste, ou une simple marche, mais qui fait se mouvoir des êtres enlacés, strictement habillés ou allant nu-pieds.
Apparue à la fin du XIXème siècle, la danse tango fut très tôt placée sous le signe du voyage. Son destin est frappé d’un paradoxe : nomade, non verbale, favorisant l’échange et l’échangisme, mobile, elle demeure associée dans l’esprit du plus grand nombre à ses terres originelles. Vers les rives du Rio de la Plata, on se presse du monde entier pour éprouver ses pas ensorcelants dans l’ambiance urbaine de la matrice et pour humer l’air nocturne des milongas. Après une immersion dans les yeux noirs du tango, certains abandonnent les oripeaux de leur ancienne existence pour s’en inventer une nouvelle.
Dossier de presse
Commander le livre sur le site des Editions Transboréal

 

 

Des vies en musiques, présentation

DES VIES EN MUSIQUEDES VIES EN MUSIQUE
Parcours d’artistes, mobilités, transformations
Coordonné par Sara Le Menestrel
Christophe Apprill, Kali Argyriadis, Sara Le Menestrel, Julien Mallet, Nicolas Puig, Guillaume Samson et Gabriel Segré
Préface de Jean-Luc Bonniol

• Comment circulent les musiques et les danses dans le monde contemporain ? Quels sont les éléments déclencheurs de la mobilité géographique des artistes ? En quoi est-elle liée à leur mobilité sociale et modifie-t-elle leur statut ? Quelle est la portée de ces déplacements sur les musiques elles-mêmes et leur signification, et quels ajustements provoquent ces changements de contextes ?
À partir des parcours de sept musiciens et danseurs issus des Amériques, de Égypte, des îles de l’Océan indien et de la France, cet ouvrage écrit à plusieurs mains dégage des logiques communes de circulations et de transformation dont les artistes que les auteurs ont accompagnés plusieurs années durant sont à la fois le témoin et la personnification. Par le prisme de la musique et de la danse, il apporte un éclairage novateur sur les processus liés à la mondialisation.

• ISBN 978 2 7056 8276 7
• éditions Hermann, lien vers l’éditeur : http://www.editions-hermann.fr/
• 29 euros
• 17×24 cm
• mai 2012
• 314 pages

>> télécharger la couverture et la 4e de couverture du livre (pdf)