Séminaire 2015-2016

Ethnographier le sensible, restituer l’expérience

Les terrains sur la musique et la danse ne tiennent pas nécessairement compte des dimensions sensibles de l’expérience. Dans ce séminaire, nous nous intéresserons spécifiquement aux perceptions, aux émotions, aux sensations tant du point de vue des acteurs que des chercheurs.

L’observation participante est-elle la seule technique qui donne accès à ces dimensions ? Quel statut accorder à l’analyse des discours pour les éclairer ? D’autres méthodes sont-elles à explorer ? Anthropologie sonore, approche thérapeutique, utilisation du corps comme outil d’investigation ethnographique, apprentissage sur le temps long de savoirs acquis par l’exercice parfois professionnalisé d’un art musical ou dansé.

Nous tenterons ainsi de parcourir durant cette année le spectre des méthodes qui permettent de restituer la part sensible de l’expérience.

 

Programme :

 

17 novembre : Introduction

15 décembre : Laura Fléty, LESC, Université Paris Ouest Nanterre

La danse morenada : Savoirs kinesthésiques, expérience collective et dépassement de soi.

(La Paz, Bolivie)

 

Pour la grande célébration annuelle dédiée au saint patron catholique de la ville de La Paz (Bolivie), les danseurs de morenada exécutent une performance chorégraphique qui met en scène un collectif de personnages noirs aux masques et costumes opulents et chargés. Cette présentation s’attachera à saisir la nature de l’expérience corporelle des danseurs : endurance physique, contrôle des émotions, unisson gestuel. En s’intéressant aux techniques du corps, aux savoirs somatiques ainsi qu’aux sensations éprouvées par les danseurs à travers la mise en mouvement des costumes, la forte consommation d’alcool ou encore l’exécution répétée de formes chorégraphiques collectives, il s’agira d’appréhender le corps comme un véritable outil de connaissance et de porter un regard anthropologique sur la dimension sensible du langage dansé.
19 janvier, Vincent Battesti, CNRS, MNHN et Nicolas Puig, IRD, URMIS
« Ça c’est le son de la société. Enquêter sur les perceptions sonores au Caire »

Nous avons cherché à  recueillir des ambiances sonores et la description de ces sons et leurs commentaires par les habitants du Caire. Pour cela, nous avons équipé des habitants de cette mégapole — choisis plutôt parmi nos connaissances et informateurs habituels — de microphones stéréophoniques de type binaural et nous leur avons demandé d’effectuer un trajet routinier : du domicile au lieu de travail ou une course dans le quartier. Nous avons donc obtenu dans un premier temps des enregistrements sonores. Ces habitants ont ensuite été invités à décrire l’enregistrement de leur trajet (description que nous avons donc aussi enregistré). De ce matériel nous espérons démontrer l’importance de la dimension acoustique dans la vie urbaine quotidienne du Caire (Égypte), la qualification des ambiances sonores par les habitants qui en sont finalement les producteurs.
Dans ce séminaire, nous détaillerons la méthode employée en relation avec le type de connaissance attendue.

 

16 février, Tiziana Leucci, CNRS, CEIAS

Le corps et sa mémoire : apprendre la danse en Inde du sud  avec les anciennes danseuses/courtisanes et leurs maîtres »

Dans mon intervention, j’analyserai le processus d’apprentissage de la danse avec les anciennes danseuses/courtisanes (devadāsī/rājadāsī) et leurs maîtres (naṭṭuvaṉār), tels que je l’ai appris sur le terrain en Inde du sud, en situation d’observation participante ou plutôt de ‘participation observante’. Quand j’ai rencontré ces artistes (aujourd’hui très âgées, sinon disparues), elles ne pratiquaient plus la danse depuis des décennies suite à l’abolition de leur profession pour des raisons morales et politiques que j’expliquerai au cours de mon intervention. Pourtant, à la simple écoute de la musique, la mémoire corporelle des enchaînements de pas et de gestes leur revenait de manière étonnamment précise. Je souhaite ainsi réfléchir, avec les collègues et les étudiant-e-s participant-e-s au séminaire, aux différents aspects de cette mémoire du corps, par laquelle les ‘patrimoines’ artistiques familiaux et attachés à des temples sont restés inscrits malgré la complexité des trajectoires personnelles. Je me concentrerai aussi sur la transformation des techniques de ces formes chorégraphiques telles qu’elles sont transmises aujourd’hui dans les écoles privées et gouvernementales.

 

15 mars : Carine Plancke, Center for Dance Research, Université de Roehampton, LAS,

L’expérience sensible comme voie d’analyse des dynamiques dansées : transformations des danses au « Nouveau Rwanda »

 

Depuis sa prise de pouvoir, mettant fin au génocide en 1994, le Front patriotique rwandais a programmé la création d’une nation unifiée qui entre dans la « modernité » tout en restant ancrée dans ses racines. Dans ce but, la revitalisation de l’héritage culturel, en particulier des danses dites « traditionnelles », est fortement soutenue. Cette présentation porte sur les transformations que connaissent les danses rwandaises sous l’impact de l’idéologie gouvernementale du « Nouveau Rwanda ». Elle focalisera sur la troupe de jeunes Inganzo Ngari, qui, actuellement, sert de modèle aux autres troupes au Rwanda et est régulièrement invitée par des instances gouvernementales. Elle se basera sur ma participation aux répétitions et aux performances de cette troupe et mettra celles-ci en rapport avec mon expérience comme membre de la troupe parisienne Mpore créé par une danseuse formée avant le génocide. Elle examinera surtout comment mon expérience sensible, qui fut différente dans ces deux troupes, a été une voie d’accès importante pour discerner les transformations apportées par Inganzo. Dans la troupe Mpore, l’ouverture sensorielle et affective aux invitations corporelles des co-danseurs s’est révélée comme le fondement d’une danse réussie. Pour le cas d’Inganzo c’est plutôt la sensibilité à la forme que prend le corps dans chaque mouvement et son ajustement à celle des autres danseurs qui s’est avérée essentielle et qui m’a fait comprendre l’impact du besoin de créer une image visuelle forte du nouveau Rwanda.

 

12 avril:

Benoît Lesage, médecin, chargé de cours à l’IFP (Psychomotricité) de Paris VI-Salpétrière, Danse-thérapeute,

Du sensible et de sa perception dans la danse : quel travail ?

La danse implique un travail du corps, qui peut s’entendre à deux niveaux : travail du corps constitué engagé dans une expressivité, mais aussi travail d’instauration du corps, toujours à construire.Apprendre à danser, c’est à première vue apprendre à effectuer des gestes en nuançant leurs modalités (directions, amplitude, coordinations, temporalité, intensités, qualités de flux…). Cette effectuation motrice suppose un affinement sensoriel, travail de perception qui balaye un champ phénoménal vaste et divers. Il faut repérer et construire les perceptions du corps (proprioception), de l’espace, du temps, des partenaires… Pour en saisir l’unité, il faut considérer la corporéité: le sujet apparaît en créant son corps, dans une interaction constante. Or s’aventurer dans la perception du corps en relation, c’est aussi questionner le sens de soi, l’histoire qui l’a construit, le jeu relationnel et donc émotionnel. On comprend dès lors que ce que mobilise ce travail puisse prendre place dans un projet thérapeutique.

 

17 mai : Arnaud Halloy, Université de Nice Sophia Antipolis

« Pleine participation et réflexivité ethnographique »

Dans cette communication, j’interroge les conditions de production du savoir ethnographique, et en particulier celles relatives à l’engagement sans restriction de l’ethnographe sur son terrain, ce que je propose d’appeler la « pleine participation ». Une telle posture pose question, d’autant plus qu’il est généralement admis en anthropologie que l’objectivité du savoir produit repose sur la distance instaurée par l’ethnographe vis-à-vis de ses hôtes, qu’il s’agisse d’une « bonne distance » ou d’un « regard éloigné ». Une telle posture, toujours au nom de l’objectivité du savoir, tend également à rejeter toute donnée issue d’une démarche introspective de l’ethnographe sur sa propre expérience. A mes yeux, une alternative méthodologique existe à ces deux présupposés épistémologiques. Je défends en effet que la dite « objectivité « du savoir produit dépend non pas de la distance instaurée par le chercheur vis-à-vis de son expérience vécue ou des personnes avec qui il travaille mais vis-à-vis du savoir ethnographique lui-même, et que cette distance peut être obtenue à travers trois formes de réflexivité ethnographique que je détaillerai dans ma présentation.

 

7 juin : Synthèse

Séminaire 2014-2015

 

Terrains « saturés » : une approche par la musique et la danse

Certains terrains ou « lieux anthropologiques » font l’objet d’un investissement important en vertu de leur densité relationnelle, politique, sémantique et/ou symbolique. Ces terrains sont particulièrement saturés d’interprétations, celles des acteurs et celles des observateurs, et ils sont parcourus de tensions et d’oppositions entre les différents individus et groupes qui le fréquentent. Tel est le cas d’espaces stigmatisés comme les  marges des cités, de villes sinistrées, de cultes qui heurtent l’opinion publique ou encore de causes cristallisant indignations et polémiques. Autant de lieux dont l’abord est difficile à l’anthropologue et qui font l’objet d’analyses qui tendent à se concentrer sur les points les plus tangibles, au risque de restituer les discours dominants et de laisser dans l’ombre une part importante de l’activité sociale et symbolique déployée dans ces espaces.

Nous voudrions montrer dans ce séminaire qu’une approche par la musique et la danse offre à la fois un accès plus aisé à ces terrains spécifiques et permet de décentrer le regard et de renouveler la connaissance sur des objets particulièrement investis par la recherche.

Dit autrement, l’intérêt attendu d’un passage par le prisme de la musique et de la danse dans l’étude des faits sociaux est à la fois méthodologique (accéder à des terrains saturés) et heuristique (apporter un renouvellement des connaissances).

Différents intervenants, membres ou non de l’équipe MUSMOND, apporteront donc des éléments permettant d’étayer cette proposition en montrant comment la musique et la danse peuvent être mobilisées au service de l’étude de catastrophes, de pratiques religieuses, de contestations politiques, de transactions sexuelles et culturelles ou encore de transformation des espaces publics.

Calendrier 2014-2015 :

18 novembre 2014 : Introduction générale

Nicolas Puig, (Université Paris-Diderot, IRD/Urmis) « Du Caire aux camps palestiniens : la musique comme analyseur social »

Dans cette séance du séminaire nous reviendrons sur différents terrains de recherche en Égypte et au Liban dans lesquels les pratiques musicales ont constituées des entrées privilégiées pour interroger des mondes urbains et sociaux caractérisés par leur densité relationnelle, symbolique, politique, etc. Tout d’abord, les musiciens de mariage au Caire forment une profession mobile par nature et, dans leur sillage, il est possible d’appréhender la société citadine cairote dans ses « intérieurs » à l’occasion de rituels urbains complexes dans lesquels s’échangent dons et salutations. Au-delà des situations, les musiciens développent une connaissance de la ville et de ses différents espaces sociaux édifiée le long de géographies professionnelles. Les musiciens palestiniens au Liban construisent de telles géographies en s’insérant dans les espaces libanais dans le cadre de leur métier. Au demeurant, les camps de réfugiés Palestiniens au Liban sont aussi des lieux de musique. Les envisager sous l’angle des pratiques musicales qui y prennent place permet de réinterroger les différents évènements et commémorations en rythmant l’ordinaire aussi bien que les expériences quotidiennes. L’abord par la musique est, en effet, susceptible de ménager un accès à l’espace collectif de la communauté palestinienne, espace collectif que Michael Herzfeld désigne par  la notion d’« intimité culturelle ». Au-delà même de cette « intrusion » dans le privé de la nation (une nation sans État), il devient possible de contextualiser la rhétorique politique liée à la cause palestinienne et de replacer l’individu et le quotidien au centre du projet de connaissance.

16 décembre 2014 : Julien Mallet (Université Paris-Diderot, IRD/Urmis), « « Stars de la côte » à Madagascar : Musiques « mafana » ou l’art d’un branchement qui bouscule les stigmates »

A Madagascar, des musiques auparavant prises dans divers contextes exclusivement régionaux sont depuis quelques années diffusées à la capitale et à l’échelle nationale. Un des changements notables dans les représentations, réside dans le passage de référents identitaires liés aux appartenances régionales et/ou ethniques à des référents (notamment assignés par les médias de la capitale) appartenant à un registre globalisant « musiques mafana » (« chaudes »). Certains des artistes pris dans cette catégorie construisent de nouvelles formes musicales associant répertoires régionaux ou ethniques et formes modernes internationales, notamment en affirmant et revendiquant une appartenance « Black » par des emprunts à des genres musicaux africains modernes (coupé-décalé, dombolo mais aussi rap, RnB…).  Ce phénomène récent, en puisant dans des référents et codes ethniques régionaux et internationaux, renvoi à des imaginaires multiples. Il est aussi à comprendre dans un contexte historique (encore actuel) de relations interethniques au niveau national, héritées du système colonial et mobilisant des représentations stéréotypées et stigmatisantes entre « merina » (groupe ethnique historiquement dominant, de la capitale) et « côtiers », à travers des oppositions « blancs » / « noirs », « de type asiatiques » / « de type africains », « civilisés »/ « sauvages », …
En analysant l’émergence de ces « stars de la côte » nous verrons comment la musique est un support particulièrement heuristique pour analyser les constructions identitaires et les imaginaires contemporains liés à ces relations interethniques historiquement conflictuelles. Nous aborderons également les difficultés qui se posent au chercheur travaillant sur un sujet tabou, sensible et régulièrement manipulé par les politiciens.

20 janvier 2015 : Christian Rinaudo (Université de Nice-Sophia Antipolis, Urmis), « Son jarocho entre Mexique et Etats-Unis : circulation et racialisation d’une pratique en diaspora »

L’activisme politique et culturel du mouvement chicano à Los Angeles constitue sans aucun doute un terrain “saturé”. Très étudié depuis les années 1970, il a fait l’objet de nombreuses publications et il est aujourd’hui au coeur des recherches menées par les “Chicano Studies” aux Etats-Unis. Dans ce contexte, le détour par une anthropologie de la musique et de la danse et en particulier par l’étude de l’appropriation récente par les activistes chicanos d’une pratique musicale et festive originaire du Mexique, à savoir le son jarocho et les fandangos communautaires, permet d’aborder des questions souvent laissées dans l’ombre des recherches menées sur ce terrain. Défini comme un genre musical originaire de Veracruz et comme un produit du métissage de différents univers culturels (espagnols, africains, indigènes), le son jarocho a été considéré pendant longtemps comme une des composantes constitutives de l’héritage culturel mexicain. Au début des années 1970, quelques musiciens et universitaires ont commencé à questionner les dérives commerciales et folklorisantes de cette pratique. L’objectif était de récupérer la tradition maintenue dans sa zone d’origine et de “dé-blanchir” la représentation du “jarocho” construite à partir de l’incorporation du genre au répertoire des manifestations culturelles administrées depuis les institutions mexicaines. A partir des années 1990-2000, la collaboration entre la nouvelle génération de musiciens de Veracruz et le mouvement chicano à Los Angeles va multiplier les propositions de production d’une mémoire commune. C’est à travers ce processus, loin des lieux de fabrique du discours nationaliste mexicain que la rencontre avec l’héritage “afro” de cette pratique va prendre une forme nouvelle.

3 février 2015 : Christophe Apprill, « Danses et espaces publics : faire face aux fictions théoriques »

L’espace public est soumis à trois injonctions contemporaines : celle de la représentation (la ville comme aire de jeu), de la démocratie (ce qu’on peut y faire et ne pas y faire) et de l’appropriation (par le corps et le langage). Dans ce contexte, quelle valeur attribuer aux danses sociales et chorégraphiées qui le traversent, nous dit-on, par effraction ? Le corps du danseur devient –il l’incarnation de ces injonctions ? Ces traversées dansantes sont-elles l’expression d’une liberté retrouvée ou d’une normativité consentie ? L’espace public n’est-il pas une figure rhétorique obligée de la société de spectacle où la performance dansée vient bouleverser amoureusement l’ordre du discours des dispositifs culturels ?

17 mars 2015 : Altaïr Despres (Labex CAP), « De la danse contemporaine en Afrique aux relations d’intimité transnationale : retour sur un parcours de recherche »

Au-delà des difficultés d’ordre méthodologique qui se posent, en Occident comme ailleurs, dans l’étude de l’intimité, les pratiques de sexualité en Afrique constituent un terrain particulièrement « saturé ». Au pouvoir de fascination populaire qui les entoure depuis l’époque coloniale, s’est ajouté à partir des années 1980 un intérêt de recherche surdéterminé par la question de la transmission du VIH/sida, contribuant à la singularisation, sinon à la stigmatisation des sexualités sur le continent africain. L’entrée – certes « accidentelle » – sur le terrain de l’intimité par l’étude de la danse contemporaine en Afrique s’est avérée heuristique pour reformuler ces problématiques. En effet, le constat effectué sur le terrain selon lequel les stratégies mises en place par certains danseurs pour entretenir des rapports d’intimité avec des femmes occidentales visaient, de façon décisive, à obtenir un soutien culturel au développement de leur carrière professionnelle, a conduit à relativiser l’importance des enjeux économiques dans la structuration les relations intimes transnationales. La focale mise sur l’organisation de la pratique chorégraphique en Afrique a ainsi permis de renouveler la réflexion sur la sexualité et la conjugalité en Afrique en insistant sur les logiques d’accumulation culturelle qui sont à l’œuvre dans les rapports d’intimité.

14 avril 2015 : Kali Argyriadis, (Université Paris-Diderot, IRD/Urmis) « Où est ta douleur ? La Santa Muerte par les mariachis »

Alors que la société mexicaine est frappée par la recrudescence de la violence liée au trafic de drogue, le culte à la Santa Muerte, soupçonné de fomenter les crimes rituels, subit une campagne d’accusations extrêmement violente dans les médias. Dans le même temps, tandis que l’Église catholique brandit le spectre du narcosatanisme et autorise les exorcismes collectifs, de nombreux chercheurs l’érigent en symbole de résistance des classes populaires face à la corruption, à la crise, aux abus de pouvoir de la classe dominante et à l’impunité des criminels. Au-delà de ces affrontements qui saturent et biaisent d’emblée l’analyse, une approche de cette dévotion par sa dimension festive (à partir d’un terrain dans la ville de Veracruz) permet d’en saisir la logique communautaire, charismatique et para-ecclésiale.

19 mai 2015 : Sara Le Menestrel, « « Music is not a crime ! » La législation sur la musique live dans La Nouvelle Orléans post Katrina ».

La musique est emblématique de La Nouvelle Orléans. L’ouragan Katrina en 2005 n’a fait que renforcer ce lien entre la scène musicale et la ville en suscitant nombre de publications, de disques et de productions audio-visuelles soulignant à quel point leurs destinées étaient indissociables. Ces dernières années, les litiges sur la législation en vigueur concernant la musique live ont mis en lumière les dissensions entre différents acteurs de l’arène publique (municipalité, acteurs de la scène musicale et associations de quartiers). L’analyse de ces débats met en lumière des perceptions conflictuelles du bruit et de la spécificité de la ville et fait surgir la notion d’espace public comme un espace de contestation qui reflète des processus à l’œuvre au-delà des frontières louisianaises. Elle permet ainsi de ne pas cantonner La Nouvelle Orléans à une ville unique et à une position périphérique qui perpétue sa vulnérabilité politique, sociale et environnementale, en inscrivant ces conflits dans des débats plus larges sur le contrôle et la délimitation de l’espace public.

2 juin 2015 : Autour de la notion de saturation.

 

L’espace de relation dans le tango : modernité ou folklore ?

Que nous racontent les photos contemporaines de danseurs de tango sur l’espace de relation entre les partenaires ? Ces images expriment-elles des modes de relations composés seulement pour des besoins de communication ou de représentation ? Y est-il question de relation paritaire entre l’homme et la femme, où chacun des partenaires pourrait faire valoir ses prérogatives selon un mode égalitaire ? En nous centrant principalement sur les formes hégémoniques de pratique observées en bal, nous analyserons les tensions entre modernité et folklore qui traversent et structurent les images, la pensée et la pratique de la danse tango contemporaine.

Conférence de Christophe Apprill au colloque TangoMedia Wokshop, Université de Freiburg – 31 janvier, 1er février 2014.
http://www.christopheapprill.fr/CadreSoc/SocioFS.html

Séminaire 2013-2014- Bibliographies des séances

12 novembre : « Composer avec : contextes, situations »

 

Benjamin Walter, L’Œuvre d’art à l’époque de sa reproduction mécanisée :

http://www.larevuedesressources.org/l-oeuvre-d-art-a-l-epoque-de-sa-reproduction-mecanisee,1976.html

Herzfeld Michael, 
2007, L’intimité culturelle: poétique sociale de l’État nation. Québec : Presses de l’Université de Laval.

Le Menestrel Sara, Argyriadis Kali, Apprill Christophe, Mallet Julien, Puig Nicolas, Guillaume Samson, Segré, Gabriel 2012, Des vies en musique. Parcours d’artiste, mobilités, transformations, Éditions Hermann.

Puig Nicolas, 2012, « La cause du rap, Engagements d’un compositeur palestinien au Liban », Cahiers d’ethnomusicologie, Société française d’ethnomusicologie, n°25, 93-109.

Schaeffer Pierre, 1966, Traité des objets musicaux, Paris.

Pour une introduction à l’œuvre de Pierre Schaeffer : Michel Chion, Guide des objets sonores, Pierre Schaeffer et la recherche musicale, INA, GRM, Buchet Castel, 1983, 186 p.

Soundcloud Osloobhttps://soundcloud.com/katibe-5

Trailer 3ala-l-Hifé (sur la marge, depuis la périphérie) – https://www.youtube.com/watch?v=7Qca62jPuWs&feature=youtu.be

 

17 décembre : « Composer avec : Bricolage et syncrétisme »

APPADURAI, Arjun, 1996, Modernity at large. Cultural Dimension of Globalization, Minneapolis / London, Minnesota UP.

BASTIDE Roger, 1970, « Mémoire collective et Sociologie du bricolage », L’année sociologique, vol. 21, pp. 65-108.

CAPONE, Stefania, CHAMPION, Françoise, BERNAND, Carmen, LENOIR, Frédéric, « Regards croisés sur le bricolage et le syncrétisme », Archives de Sciences sociales des Religions n°114, avril-juin 2001, pp. 39-60.

CHAMPION, Françoise, 2000, « La religion à l’épreuve des Nouveaux Mouvements Religieux », Ethnologie française XXX, 4, pp. 525-533.

HERSKOVITS, Melville J., [1941] 1990, The Myth of the Negro Past, Boston, Beacon.

HERVIEU-LÉGER Danièle, 1993, La religion pour mémoire, Paris, Cerf.

HERVIEU-LÉGER DANIÈLE, 2001, La religion en miettes ou la question des sectes, Paris, Calmann-Lévy.

LÉVI-STRAUSS, Claude, 1962, La Pensée sauvage, Paris, Plon.

MARY, André, 1994, « Bricolage afro-brésilien et bris-collage postmoderne », in Paul Laburthe-Tolra, éd., Roger Bastide ou le réjouissement de l’abîme, Paris, L’Harmattan, pp.85-98.

MARY André, 2000, Le bricolage africain des héros chrétiens, Paris, Cerf.

MARY, André, 2001, « En finir avec le bricolage », Archives de Sciences Sociales des Religions, n° 116, pp. 27-30. (consulter également : bricolage, définition critique)

ORTIZ, Fernando, 1940, « El fenómeno social de la transculturación y su importancia en Cuba« , Revista Bimestre Cubana, vol. XLV, n° 2, septiembre-octubre, La Habana.

VAN HOVE, Hildegard, 1999, « L’émergence d’un « marché spirituel » », Social Compass, 46(2) pp. 161-172.

YORK, Michael, 1999, « Le supermarché religieux : ancrages locaux du Nouvel Age au sein du réseau mondial », Social Compass, 46(2), pp. 173-179.

 

21 janvier : “Les états de la performance : Formes d’interactions, médiateurs”

Cefaï, Daniel, Perreau, Laurent (dir.), 2012, Erving Goffman et l’ordre de l’interaction, Paris, CURAPP-ESS/CEMS-IMM.

Goffman, Erving, 1969, Strategic Interactions,  Chapel Hill : University of Pennsylvania Press.

________1974, Les Rites d’interaction, Traduit de l’anglais par Alain
Kihm. Collection « Le sens commun ».

Hennion, Antoine, La passion musicale. Une sociologie de la médiation,
Métailié, coll. « sciences humaines », 2007.

Joseph, Isaac, 2002, Erving Goffman et la microsocologie, Paris, PUF.

Pourtau Lionel, 2009, Techno. Voyage au coeur des nouvelles communautés festives, Paris, Editions CNRS.

Puig, Nicolas, 2008, « Le mariage, c’est du flous, et c’est tout ! Rôle et
usages de l’argent dans les fêtes de mariages de rue au Caire », in Monnaie
des économistes, Argent des Anthropologues
, Baumann E., Bazin L., Ould-Ahmed
P., Phelinas P., Selim M. (eds), L’Harmattan, collection « Questions
contemporaines », 115-134.

Rancière, Jacques, 2008, Le spectateur émancipé, Paris, La fabrique Editions.

Sakakeeny, Matt, 2013, Roll With It. Brass Bands in the Streets of New Orleans, Durham : Duke University Press.

Terrin, Jean-Jacques, 2012, La ville des créateurs, Marseille, Parenthèses.

4 février : “Les états de la performance : Transe et conscience modifiée”

Rêve, possession, fiction : retour sur les classiques – Kali Argyriadis

La question des « états de la performance » est centrale pour notre réflexion, puisqu’elle nous permet de sortir de l’opposition création / réception, ou individu créateur / public. Il s’agira de réfléchir ici à la corrélation entre la performance dite de la « transe » (dans ses nombreuses variantes), en tant que fiction, composition, manifestation d’un ou plusieurs individus qui se déploie dans un cadre et des règles collectives, et l’élaboration ou la composition d’une œuvre artistique. Le tout non pas au nom d’une mystique de l’inspiration, mais plutôt dans l’idée qu’il n’y a pas de création possible sans interactions.

L’abrazo du tango : une transe de basse intensité – Christophe Apprill

Comment une pratique ordinaire, dite « populaire » – qui n’a pas de dimension religieuse, ni spirituelle, et n’appartient pas aux mondes de l’art – organise les conditions pour que les participants entrent dans un « état de conscience modifié », sans que l’on puisse assimiler cet état à l’état de transe de possession dans les contextes rituels tel qu’il a été observé, parfois vécu, et analysé par les anthropologues. En quoi cette pratique d’amateurs constitue une échappée en dehors de la « vraie vie », et par conséquent l’entrée sur une scène (sociale) où prévaut un « état de conscience modifié ». Soit une transe de basse intensité. Comment cet état, qui ne relève ni de la création, ni d’une forme de réception, mais davantage d’une interaction corporelle avec un partenaire codifiée par une culture de danse, questionne-t-il notre problématique ?

Apprill Christophe, 1998, Le tango argentin en France, Paris, Anthropos – Economica.

Artaud, Antonin, 1972 [1938], Le théâtre et son double, Paris, Gallimard.

– 1977, Les Tarahumaras, Paris, Gallimard.

Augé, Marc, 1982, Génie du paganisme, Paris, Gallimard.

– 1994, Pour une anthropologie des mondes contemporains, Paris, Aubier.

Augras, Monique, 1992, Le double et la métamorphose : l’identification mythique dans le candomblé brésilien, Paris, Méridiens Klincksieck.

Bastide, Roger, 2003 [1972], Le rêve, la transe et la folie, Paris, Seuil.

Blacking John, « Danse, pensée conceptuelle et production dans les documents archéologiques », in Anthropologie de la danse, Pantin, Centre National de la Danse.

Boyer, Véronique, 1993, Femmes et cultes de possession au Brésil. Les compagnons invisibles, Paris, L’Harmattan.
– 1996 : « Possession et exorcisme dans une église pentecôtiste du Brésil », Cahiers des sciences humaines de l’ORSTOM n° 32 (2), pp. 243-264.
– 1998, « Des cultes de possession aux Églises pentecôtistes: le récit de Lessa », L’Homme, n° 148, octobre, pp. 119-137.

Dupré, Marie-Claude, 2001, Familiarité avec les dieux. Transe et possession (Afrique noire, Madagascar, La Réunion), Clermont-Ferrand, Presses universitaires Blaise Pascal.

Fancello, Sandra, 2008, « Sorcellerie et délivrance dans les pentecôtismes africains », Cahiers d’études africaines, « Territoires sorciers », XLVIII (1-2), n° 189-190, pp. 161-183.

Flahaut François, 2002, Le sentiment d’exister. Ce soi qui ne va pas de soi, Paris, Descartes et Cie.

Ghasarian Christian, 2009, « Explorations (néo)shamaniques en terra incognita de l’anthropologie », in Baud Sébastien et Midol Nancy (eds.), La conscience dans tous ses états. Approches anthropologiques et psychiatriques, cultures et thérapies, Paris, Elsevier Masson, pp. 63-76.

Grau Andrée, Wierre-Gore Georgiana, Anthropologie de la danse. Genèse et construction d’une discipline, Pantin, Centre National de la Danse.

Halloy Arnaud, 2007, « Un anthropologue en transe. Du corps comme outil d’investigation ethnographique » in Corps, performance, religion. Etudes anthropologiques offertes à Philippe Jespers, Petit, P. & Noret ; J. (eds.), PubliBook, Belgique, pp. 87-115.
– 2009, « Incorporer les dieux. Les ressorts pragmatiques de la transe de possession religieuse dans le culte Xangô de Recife (Premières pistes) », in Baud Sébastien et Midol Nancy (eds.), La conscience dans tous ses états. Approches anthropologiques et psychiatriques, cultures et thérapies, Paris, Elsevier Masson, pp. 77-95.

Herbillon-Moubayed Thilda, 2005, La danse, conscience du vivant, Paris, L’Harmattan.

Heutte, Jean & Fenouillet, Fabien (2010) Propositions pour une mesure de l’expérience optimale (état de Flow) en contexte éducatif. Actes du 8e Congrès international d’actualité de la recherche en éducation et en formation (AREF) 2010, Genève (Suisse), 13 – 16 septembre 2010.
– Site Jean Heutte : http://jean.heutte.free.fr/

Leiris, Michel, 1958, La possession et ses aspects théâtraux chez les Ethiopiens de Gondar, Paris, Plon.

Lorrina Niclas, 1989, La Danse, naissance d’un mouvement de pensée ou le Complexe de Cunningham, Biennale nationale de danse du Val-de-Marne, Paris, Armand Colin.

Lapassade Georges, 1987, Les états modifiés de conscience, Paris, PUF.
– 1990, La transe, Paris, PUF,

Louppe Laurence, 1997, Poétique de la danse contemporaine, Bruxelles, Editions Contredanse.

Mauss Marcel, 1950, « Les techniques du corps » [1934] in : Sociologie et anthropologie, Paris, PUF, pp. 365-383.

Métraux, Alfred, 1958, Le Vaudou haïtien, Paris, Gallimard.

Nathan, Tobie, 1986, La folie des autres. Traité d’ethnopsychiatrie clinique, Paris, Bordas.

Rouch, Jean, 1955, Les maîtres fous (documentaire)

Rouget Gilbert, 1990, La musique et la transe, Paris, Gallimard.

Schott-Billmann France, 1977, Corps et possession. Le vécu corporel des possédés face à la rationalité occidentale, Paris, Gauthier-Villars.
– 2001, Le besoin de danser, Paris, Odile Jacob.

Zubarik  Sabine, Sublime Feelings : The Experience of « Flow » in Dancing Tango, Communication au colloque Tango. Création, identification, circulation, Paris 2011 – http://globalmus.net/?Communications-audio-mp3

 

18 mars : “Diffusion :  Construction de la postérité”

Sur la célébrité et la consommation de la célébrité

ALEXANDER Alison et HARRIS Cheryl (eds.), 1998, Theorizing fandom: fans, subcultures and identity, Hampton Press.
FISKE John, 1989, Understanding popular culture, Hunwin Hyman.
GRAY Jonathan, SANDVOSS Cornel, HARRIGNTON C. Lee (Eds.), 2007, Fandom: identities and communities in a mediated world. New, York: New York University Press, New York.
HEINICH Nathalie, 2012, De la célébrité. Excellence et singularité en régime médiatique, « Bibliothèque des Sciences Humaines », Paris, Gallimard.
HILLS Matthew, 2002, Fan Cultures, Londres, Routledge.
LE GUERN Philippe, 2002, Les cultes médiatiques. Culture fan et œuvres cultes, Rennes, PUR.
LE GUERN Philippe, 2009/1, « ‘No matter what they do, they can never let you down… ‘. Entre esthétique et politique : sociologie des fans, un bilan critique », Réseaux, n°153, pp. 19-54.
LEWIS Lisa A., 1992, The adoring audience: fan culture and popular media, Londres, Routledge

Les notions de mythe et de rite

ABRAHAM K., 1965, Rêve et mythe: œuvres complètes, 1, coll. « Petite Bibliothèque Payot », Payot, Paris.
BATAILLE G., 1949, La part maudite, Minuit.
CAILLOIS, R., 1950, L’homme et le sacré, coll. « Folio-Essais », Gallimard.
DIEL P., 1966, Le symbolisme dans la mythologie grecque, coll. « Petite Bibliothèque Payot », Payot, Paris.
ELIADE, M., 1957, Mythes, rêves et mystères, coll. « Folio-Essais », Gallimard.
ÉLIADE M., 1962, Méphistophéles et l’androgyne, coll. « Folio-Essais », Gallimard.
ELIADE M., 1963, Aspects du mythe, coll. « Idées », Gallimard.
ELIADE, M., 1977, Traité d’histoire des religions, ‘1964), coll. « Petite Bibliothèque Payot », Payot, Paris.
ISAMBERT, F.A., 1962, Le sens du sacré. Fêtes et religion populaire, Minuit.
JUNG C.G., 1971, Les racines de l’inconscient: Etudes sur l’archétype, Buchet/Chastel, Paris.
JUNG C.G., KERÉNYI CH., 1980, L’essence de la mythologie, (1941), coll. « Petite Bibliothèque Payot », Payot, Paris.
LÉVI-STRAUSS C., 1958, Anthropologie structurale, Plon, Paris.
LÉVI-STRAUSS C., 1975, « Le temps du mythe », in Annales, n°3, n° spécial: Histoire et structure, mai-juin.
MAISONNEUVE J., 1995, Les conduites rituelles, (1988), coll. « Que-Sais-Je », P.U.F.
MALINOWSKI, B., 1980, Trois essais sur la vie sociale des primitifs (1933), coll. « Petite Bibliothèque Payot », Payot, Paris.
MAUSS M., 1989, Manuel d’ethnographie, (1947), coll. « Petite Bibliothèque Payot », Payot.
RICOEUR P., 1970, Le conflit des interprétations, Seuil.
RIVIÈRE C., 1997, Socio-anthropologie des religions, coll. « Cursus », A. Colin, Paris.
ROHEIM G., 1967, Psychanalyse et anthropologie: Culture, personnalité, inconscient, (1950], coll. « Tel », Gallimard.
TURNER V.W., 1990, Le phénomène rituel. Structure et contre-structure, (1969), coll. « Ethnologie », P.U.F., Paris.
VAN GENNEP A., 1909, Les rites de passages, E. Nourry, Paris.
VERNANT J.C., 1988, Mythes et société en Grèce ancienne, (1974), coll. « Fondation », La Découverte.
VEYNE, P., 1983, Les grecs ont-ils cru en leurs mythes? Essai sur l’imagination constituante, coll. « Essais », Seuil.

Sur les mythes (et rites) contemporains. De la consommation à la dévotion. De l’histoire au mythe

CAZENEUVE Jean, 1991, Et si plus rien n’était sacré…, Paris, Perrin.
DALMAZZO Amélie, 2010, Michael Jackson n’a jamais existé. Etude d’un mythe contemporain, Jacob-Duvernet.
BALANDIER, G., 1994, Le dédale: pour en finir avec le XXème siècle, Fayard.
HERVIEU-LÉGER, D., 1993, La religion pour mémoire, coll. « Sciences Humaines et religion », Cerf.
KRIS E., KURZ O., 1979, L’image de l’artiste : légende, mythe et magie, « Galerie », Rivages, Paris.
MORIN Edgar, 1975, L’esprit du temps. 2. Nécrose, Grasset, Paris.
MORIN Edgar, 1972, Les stars, (1957), Seuil, Paris.
PIETTE, A., 1990, « La religiosité et la sacralité dans le monde contemporain », in Nouvelles idoles, nouveaux cultes. Dérives de la sacralité, ouvrage collectif sous la direction de RIVIERE, C. et PIETTE, A., coll. « Mutations et complexité », L’Harmattan, pp. 203-241.
PIETTE, A., 1993, Les religiosités séculières, coll. « Que-sais-je », P.U.F.
PRADES, J.A., 1987, Persistances et métamorphoses du sacré, coll. « Sociologie d’Aujourd’hui », P.U.F., Paris.
RIVIÈRE, C., 1995, Les rites profanes, coll. « Sociologie d’Aujourd’hui », P.U.F., Paris.

Sur les vedettes. Les carrières posthumes

BARNEL JEF, 2005, DALIDA, LA FEMME DE CŒUR, ÉDITIONS DU ROCHER.
BLACHAS Christian, 1997, Le mystère Elvis, M. Lafon.
BLISTENE MARCEL, 1963, AU REVOIR ÉDITH, PARIS, ÉDITION DU GERFAUT.
BOURDAIS MICHEL, 2008, CLAUDE FRANÇOIS A LA RECHERCHE DE SON IMAGE OU L’HISTOIRE D’UN DESSIN, ÉDITIONS FAN DE TOI.
DELESSERT J., 1983, Elvis mon ami, « Les Planches », Edition P.M. Favre.
DOLL S., 1991, 1989, Elvis: hommage à sa vie, Ramsay.
DUNLEAVY J., 1977, (avec la collaboration de WEST, R., WEST, S., HEBLER, D.,) Elvis ou le roi déchu, « Jeux de Masques », Orban, Paris.
FREDETIENNE, 2010, Michael Jackson. Le roi de la pop, Hors Collection Editions.
GALLIMARD Anne, ORLANDO, 1989, Dalida mon amour, NRJ Editions
GASSION Denise, MORCET Robert, 1988, Edith Piaf. Secrète et publique, Ergo Press.
GOLDMAN Albert, 1982, 1981, Elvis: un phénomène américain, R. Laffont, Paris.
GORDON R., 1996, Elvis : le king en concert, Vade Retro.
HADDAD Solène, 2012, Dalida . Une histoire vraie, City Editions.
HARBINSON W.A., 1989, Elvis Presley, Albin Michel.
HEATLEY Michal, 2009, Michael Jackson, 1958-2009, Une vie de légende, J.C. Lattès.
HENDRICK Mark, 1994, Elvis A. Presley : musique et vie d’un mythe, Coda, Anvers.
HOPKINS J., 1972, 1971, Elvis : la biographie de Elvis Presley, Solar Editeur, Paris.
JACKSON Latoya, 2009, (1991), Michael Jackson. La légende, Jean-Claude Gawsewitch.
LAVIGNE Laurent, 2009, Michael for ever…, Hugo & Compagnie, Paris.
LECOEUVRE Fabien, (2005), Le moulin de Dannemois. Une demeure de légende, La Lagune.
LE BRETON Auguste, 1980, La môme Piaf, Hachette Littérature.
LELAIT-HELO David, 2004, Dalida, Payot, Paris.
LINEDECKER C.,YANCEY B.,1978, (1977), Ma vie avec Elvis, Presses Select Ltee, Québec.
LOHR Stéphanie, PASCUITO Bernard, 1997, Claude François. Le livre du souvenir, Paris, Sand
NOUVEAU Béatrice, 2008, Cloclo forever. L’album de sa vie, Paris, Flammarion.
ROGALE Jean-Yves, 1981, Le roi Elvis, Mengès, Paris.
PASCUITO Bernard, 1997, Dalida. Les larmes de la gloire, Michel Lafon.
PEGGY, (1998 [1987]), Cloclo notre amour, J’ai lu, Flammarion, Paris
PESSIS Jacques, VASSAL Hugues, 2012, Une vie en noir et blanc, Edition du Signe.
SAINT BRIS Gonzague, 1998, Les larmes de la gloire, France Loisir, Paris.
SAINT BRIS Gonzague, 2010, Au paradis avec Michael Jackson, Presses de la Cité.
SERVAT Henry-Jean, ORLANDO, 2003, Dalida. Ciao, cia, bambina, Albin Michel, Paris.
SEVRAN Pascal, 1976, Dalida. La gloire et les larmes, Guy Authier éditeur.
STERN J. & M., 1987, Le monde d’Elvis : Elvis au pays des merveilles, Ramsay.
TROUBLAC Sophie, 1995, Edith Piaf. L’hymne à l’amour, Editions Sauret.

Sur les dangers de la métaphore religieuse et l’analogie religieuse

HEINICH Nathalie, 2013, « Des limites de l’analogie religieuse. L’exemple de la célébrité », Archives des Sciences Sociales des Religions, EHESS, pp. 157-177.
MAIGRET Eric, 2002, « Du mythe au culte… ou de Charybde en Scylla ? Le problème de l’importation de concepts religieux dans l’étude des publics des médias », Le Guern Philippe, Les cultes médiatiques. Culture fan et œuvres cultes, Rennes, PUR, pp. 97-110.
RAMNOUX Clémence, « Mythologique du temps présent », Esprit, n°402, Paris, avril 1971.

Admiration, ferveur et cultes posthumes

DOSS Erika, 1999, Elvis Culture : Fan, Face and Image, University of Kansas Press, Kansas.
FROW John, 1998, « Is Elvis a God ? Cult, Culture, Question of Method » in International Journal of Cultural Studies, vol.1(2).
HEIN Fabien, 2006, Rock et religion. Dieu(x) et la musique du diable, « Les Cahiers du Rock, Autour du Livre,
LE BART Christian, AMBREOISE Jean-Claude, 2000, Les fans des Beatles. Sociologie d’une passion, Rennes, Presses Universitaires de Rennes.
POUCHELLE Marie-Christine, 1983, « Sentiments religieux et show-business: Claude François objet de dévotion populaire », Jean-Claude Schmitt, Les saint et les stars, Beauchesne, pp. 276-300.
SCHMIDT Jean-Claude (éd.), 1979, Les saints et les stars. Le texte hagiographique dans la culture populaire, Paris, Beauchesne.
SEGRE Gabriel, 2003, Le culte Presley, « Sociologie d’Aujourd’hui », Paris, Presses Universitaires de France.
SEGRE Gabriel, 2007, Au nom du King. Elvis, les fans et l’ethnologue, Montreuil, Aux lieux d’être.

Processus de patrimonialisation

DI MEO Guy, 2008, « Processus de patrimonialisation et construction des territoires », www.ades.cnrs.fr
GIAMPAOLIi Michelangelo, 2012/3, « Rock Around the Grace. La tombe de Jim Morrison au Père-Lachaise », Ethnologie Française, vol.42, P.U.F., pp. 519-529.
SNITER Christel, (2008/2), « La gloire des femmes célèbres. Métamorphose et disparités de la statuaire publique parisienne de 1870 à nos jours », Sociétés et représentations, Publications de la Sorbonne, pp. 153-170.

8 avril : “Diffusion : Circulations des interprètes et des répertoires

American Ethnologist, « Forum: Locating or liberating creolization », 33, 4, 2005, p. 549-592.

Amselle (Jean-Loup), Branchements. Anthropologie de l’Université des cultures, Paris, Flammarion, 2004.

Amselle (Jean-Loup), M’bokolo (Elikia) (dir.), Au cœur de l’ethnie. Ethnies, tribalisme et État en Afrique, Paris, Éditions La Découverte, 1985.

Bonniol (Jean-Luc), Paradoxes du métissage, Paris, Éditions du CTHS, 2001. Bonniol (Jean-Luc), Paradoxes du métissage, Paris, Éditions du CTHS, 2001.

Csordas (Thomas), « Modalities of transnational transcendence », Anthropological Theory, 7, 3, 2007, p. 259-272.

Cunin (Élisabeth), « Chicago sous les tropiques ou les vertus heuristiques du métissage », Sociétés contemporaines, 2001/3, 43, 2001, p. 7-30.

Le Menestrel, (S.) (coord.), C. Apprill, K. Argyriadis, J. Mallet, N. Puig,  G. Samson, G. Segré, Des vies en musique. Parcours d’artistes, mobilités, transformations, Paris, Hermann, 2012.

Mallet (Julien), « “World Music” : une question d’ethnomusicologie ? », Cahiers d’Études Africaines, 168, XLII-4, 2002, p. 831-852.

Stokes (Martin), « On Musical Cosmopolitanism », Institute for Global Citizenship, The Macalester International Roundtable, 2007.

Radano (Ronald), (Philip) V. Bohlman (eds.), Music and the racial imagination, Chicago and London, The University of Chicago Press, 2000.

Stewart (Charles), « Creolization. History, Ethnography, Theory », in Ch. Stewart (ed.), Creolization. History, ethnography, theory. Walnut Creek, CA., West Coast Press, 2007, p. 1-25.

— « Syncretism and its Synonyms: Reflections on Cultural Mixture », Diacritics, 29, 3 (Autumn), 1999, p. 40-62

Turino (Thomas), Music as Social Life: The Politics of Participation. Chicago: University Of Chicago Press, 2008.

Wade (Peter), Music, race and Nation: Música tropical in Columbia. Chicago, University of Chicago Press, 2000.

— « Rethinking mestizage: ideology and lived experience », Journal of Latin American Studies, 2005, 37: p. 239-257.

 

20 mai : “Réception: La réception comme processus de création

CERTEAU Michel de, (1980), L’invention du quotidien, tome 1, Arts de faire, Gallimard, 1990.
CERTEAU Michel, (1974), La culture au pluriel, Union Générale d’Edition, Paris.
FISKE John, (1992), « The cultural economy of the fandom », In L. A. Lewis, The adoring audience: fan culture and popular media, ed. L.A. Lewis, London and New York.
HALL Stuart, (1994), « Codage, décodage », Réseaux, n°68, p. 27-39.
HENNION Antoine, (1993), La passion musicale, une sociologie de la médiation, Paris, Métailié.
HENNION Antoine, (2004), « Une sociologie des attachements. D’une sociologie de la culture à une pragmatique de l’amateur », in A. Petiau (dir.), Sociétés 85, 2004/3, « Les pratiques musicales ».
HENNION Antoine, (2007), « La musique s’écoute-t-elle ? », in Le Queau P. (dir.), Marseille 1985-Grenoble 2005. 20 ans de sociologie de l’art : bilan et perspectives, tome 1, Paris, L’Harmattan.
HENNION Antoine, (2009), « Réflexivité. L’activité de l’amateur », Réseaux, n°153, La Découverte, pp. 55-78.
JAUSS Hans Robert, (1972), Pour une esthétique de la réception, Gallimard, paris, 1978.
JENKINS Henry. (1992), Textual Poachers : Television Fans and Participatory Culture, New York, Routledge.
KATZ Elihu, LIEBES Tamar, (1990), The export of meaning, Cross-cultural readings of Dallas, New York, Oxford, New York Universtity Press.
KATZ Elihu, LIEBES Tamar, (1993), « Six interprétations de la série « Dallas » », Hermes, 11-12.
LEWIS L.A. (éd), (1992), The adoring audience : fan culture and popular media, London & New York.
MORLEY David, (1993), « La réception des travaux sur la réception. Retour sur «Le public de Nationwide », Hermès, 11-12.
RADWAY Janice, (1984). Reading the Romance. Women, Patriarchy and Popular Literature, Chapel Hill, University of North Carolina Press.
VERON Eliséo, LEVASSEUR Martine, (1983), Ethnographie d’une exposition. L’espace, le corps et le sens, B.P.I., Centre G. Pompidou.

3 juin : “Réception: Censure et création”

 Plaisir de la danse et passage à l’acte – Christophe Apprill
Il existe peu de cas de censure véritable au sein de l’espace de relation hétérosexuel des danses sociales. Mais ces moments de corps à corps détiennent une capacité à susciter le vagabondage  de l’imaginaire des spectateurs et des danseurs vers les plaisirs de la chair. Comment analyser les liens entre la pratique de la danse et le sexe ? Quels agencements de la censure est-il possible d’observer chez les pratiquants, ainsi que dans ma position de chercheur ? Qu’en est-il des processus de création de soi à travers ces agencements ?

Bozon Michel, Heran François, 1987, « La découverte du conjoint. I. Evolution et morphologie des scènes de rencontre », Population, n°6, pp. 943-986.

Buch Esteban, 2011, « A propos de la « danse maudite » : La censure du tango par l’Eglise », Colloque international Tango : création, identifications, circulations, Paris, EHESS, http://globalmus.net/IMG/mp3/281011_esteban_buch_salle7.mp3

Dejours Christophe, 2013, Travail vivant. 1 : sexualité et travail, Paris, Payot.

Flahaut François, 2002, Le sentiment d’exister. Ce soi qui ne va pas de soi, Paris, Descartes et Cie.

Foucault Michel, 2014, Subjectivité et vérité. Cours au collège de France, 1980-1981, Paris, EHESS, Gallimard, Seuil.

Latour Bruno, 2000, « Factures/fractures : de la notion de réseau à celle d’attachement » in Ce qui nous relie, André Micoud et Michel Peroni, La Tour d’Aigues, Editions de l’Aube , pp. 189 – 208

Le Breton David, 1990, Anthropologie du corps et modernité, Paris, PUF.

Bibliographie sélective sur la méthodologie ethnographique

Caratini, Sophie, 2004, Les non-dits de l’anthropologie, Paris, PUF, collection
Libelles.

Cefaï (Daniel), L’Enquête de terrain, Paris, Éditions La Découverte, Recherches, Série « Bibliothèque du MAUSS », 2003.

__________L’engagement ethnographique, Paris, Éditions de l’EHESS, coll. « En Temps & Lieux », 2010.

Copans, Jean, 2011, L’enquête ethnologique de terrain: L’enquête et ses méthodes, Paris, Armand Collin (3ème édition).

__________ 2008, L’enquête et ses méthodes : l’enquête ethnologique de terrain, Paris, Armand Collin (2ème édition).

Demazière Didier, Dubar Claude, 1997,  Analyser les entretiens biographiques. L’exemple des récits d’insertion, Paris, Nathan.

Ghasarian, Christian (dir.), 2002, De l’ethnographie à l’anthropologie réflexive. Nouveaux terrains, nouvelles pratiques, nouveaux enjeux, Paris, Armand Collin.

Laplantine, François, 1998, L’anthropologie, Paris, Payot

___________La description ethnographique, Paris, Nathan, 1996.

Olivier de Sardan, Jean-Pierre, 2003, « L’enquête socio-anthropologique de terrain : synthèse méthodologique et recommandations à usage des étudiants », Octobre, Etudes et Travaux n° 13.

Pinçon, Michel, Pinçon-Charlot Monique, 2005, Voyage en grande bourgeoisie. Journal d’enquête, Paris, P.U.F.

Stocking, George W. Jr. 1992. The Ethnographer’s Magic and Other Essays in the History of Anthropology, University of Wisconsin Press.

Weber, Florence, 2009, Manuel de l’ethnographe, PUF, Quadrige.

L’enseignement des danses du monde et des danses traditionnelles – Christophe Apprill, Aurélien Djakouane, Maud Nicolas-Daniel – L’Harmattan – 2013.

Les danses du monde et les danses traditionnelles ne disposent pas d’un cadre
législatif qui réglemente leur enseignement. Pourtant, ces danses sont massivement
pratiquées en France dans un espace social qui mêle tradition, revivalisme et créativité.
Dans quels cadres se déroulent les cours ? Quels sont les profils des professeurs ?
Comment appréhendent-ils la question des risques liés à la pratique chorégraphique ?
Comment se positionnent-ils par rapport à l’idée d’une réglementation de leur danse ?
Table des matières – Bon de commande

 

Séminaire « De la création à la réception musicale : production de sens et recompositions », 2013-2014

http://www.ehess.fr/fr/enseignement/enseignements/2013/ue/245/

Ce séminaire propose d’explorer la notion de créativité musicale et chorégraphique en tenant compte de toutes les étapes inhérentes au processus créatif, depuis la composition jusqu’à la réception et à la diffusion d’une œuvre ou d’un événement, dans un contexte mondialisé de circulations des pièces et des répertoires.

Au sens propre et de façon évidente, la composition renvoie à la création culturelle. Mais elle peut aussi, dans un sens métaphorique, être appréhendée sous l’angle des agencements ou des « façons d’assembler » : des sons, des gestes, des matériaux qui peuvent, le cas échéant, rendre visible les indexations à des univers culturels disjoints et hétérogènes. On pourra également envisager la « composition » (et le fait de « composer avec ») comme une transaction complexe, qui se jouerait entre un ou plusieurs « créateurs » et leur public, partie prenante de la performance et donc de la création. On se demandera si l’appropriation des moyens technologiques actuels permet le passage d’une réception active (structure pyramidale ?) à une réception générant des formes inédites de composition et de diffusion (configuration horizontale ?), au travers de la production de sens, de produits, d’œuvres et de pratiques.

Il s’agira ainsi d’analyser le processus créatif en tenant compte à la fois des dynamiques d’innovation et de créativité individuelles, des contraintes liées aux objets eux-mêmes et aux contextes, et des dynamiques de réception. Cette démarche s’inscrira dans une volonté de dépassement des paradigmes du métissage et de la création pour comprendre et décrire les mécanismes de transformations, de création, d’adaptation et d’ajustements (ces termes n’étant pas limitatifs), en partant du terrain et en réintroduisant l’individu dans l’analyse des interactions musicales et chorégraphiques.

Calendrier :

12 novembre (attention changement de salle et d’horaire : salle 2, 105 bd Raspail 75006 Paris de 11 h à 14 h) : « Composer avec : contextes, situations »

17 décembre :  » Composer avec : Bricolage et syncrétisme

21 janvier : « Les états de la performance : Formes d’interactions, médiateurs »

4 février : « Les états de la performance :Transe et conscience altérée »

18 mars : « Diffusion :  Construction de la postérité »

Attention changement de date 8 avril : « Diffusion : Circulations des interprètes et des répertoires

20 mai : « Réception: La réception comme processus de création

3 juin : « Réception: Censure et création »

Compte-rendu du séminaire Vivre et pratiquer la recherche en anthropologie de la musique et de la danse, 2012-2013

Ce séminaire collectif portait sur le métier de chercheur tel qu’il se vit au quotidien dans le champ des études sur la musique. Il s’agissait d’aborder notre travail dans sa dimension artisanale. Si les questions méthodologiques et la relation d’enquête ont été partie intégrante de ce séminaire, il a intégré des thématiques plus larges en déroulant chacune des étapes de nos parcours : les raisons qui nous amènent à choisir un sujet (personnelles, institutionnelles, statutaires, disciplinaires…), la légitimité des sujets choisis, l’enquête (le travail de préparation, nos expériences d’observation et d’entretien, les impasses rencontrées, les faux pas, les erreurs commises), l’engagement, la spécificité de certaines spécialités (comme l’ethnomusicologie), les stratégies de publication. Tous les éléments qui ont façonné notre pratique et guidé nos parcours ont ainsi été abordés, dans une perspective d’objectivation et de dévoilement.

 

 

séance 1 : Légitimité des objets

 

Cette séance a abordé la question de la hiérarchie entre les objets. Alors que certains objets occupent une place centrale dans les enjeux de société contemporains, ils peinent à obtenir une légitimité.  Dans le cas des danses sociales, cette résistance provient d’une hiérarchisation des objets opérée par la communauté des chercheurs elle-même. L’exemple de la danse permet d’avancer l’hypothèse selon laquelle elle serait un objet peu légitime en tant qu’univers féminin, bien souvent déserté par le pouvoir.

 

 

séance 2 : Construction de l’objet, choix des terrains et motivations personnelles

 

La construction de l’objet  renvoie à deux approches distinctes. La sociologie du fait social et l’approche hypothético-déductive (de l’hypothèse à l’observation), et l’approche inductive (du terrain au concept). La première défend l’idée de la nécessaire rupture selon laquelle le bon objet est un objet construit. A l’autre pôle, la démarche inductive, qui souvent caractérise l’ethnologie, promeut l’étude de cas, le travail de terrain et affirme la possibilité de valider du sens à partir des données (cf interactionnisme, ethnométhodologie, Grounded Theory). La pratique montre que les chercheurs procèdent bien souvent par va et vient entre induction et déduction, dans une oscillation permanente entre terrain et théorie.

 

Séance 3 : Techniques d’observation

Longtemps, l’ethnographie était synonyme d’immersion longue. Malgré ce postulat, les ethnologues ne vivent souvent pas avec les gens sur le long terme. Si la méthode de la participation observante est extrêmement enrichissante, elle doit être accompagnée d’une réflexion nécessairement distanciée. Le présupposé monographique a été remis en question par James Clifford, qui a introduit la notion d’anthropologie itinérante ou « translocale ». La notion de terrain « multi-situé » (Marcus) est particulièrement appropriée pour un objet qui se construit de façon transnationale. Mais elle ne résout pas, à l’échelle d’un seul chercheur, le problème de la description, à densité égale, de tous les groupes sociaux et contextes pratiqués au sein d’un même champ social transnational. Le terrain transnational montre la nécessité d’un travail transdisciplinaire incluant la pratique de l’ethnographie collaborative.

 

Séance 4 : Posture et statut du chercheur

Loin d’être neutre, stable, ou claire pour l’enquêté, la relation d’enquête est avant tout incongrue. La posture d’enquête réflexive amène à inclure dans l’analyse le contexte de production de la recherche. Certains ont opté pour un relativisme radical qui rend la comparaison et les généralisations anthropologiques impossibles. Mais c’est en donnant au lecteur les moyens d’évaluer la partialité de l’entreprise ethnographique que l’on contribue à la connaissance des sociétés humaines. La légitimité et le sens de notre démarche repose sur une posture faite d’implication et de distanciation et de mise à distance du soi. Le chercheur peut également tirer parti de la modification qu’implique sa presence (Devereux, Althabe). La multiplicité des identités du chercheur, assignées ou revendiquées, fait apparaitre la question du statut de l’ethnologue sous la forme d’un continuum, sur lequel le chercheur se positionne différemment selon les situations.

 

 

Séance 5 : Implication du chercheur par rapport à son objet

 

Cette séance a abordé la question de l’inscription de la recherche dans des contextes d’action culturelle et institutionnelle. Il a été question de la façon dont des acteurs culturels et des institutions investissent la recherche, avec des attentes particulières, soit en commandant des travaux, soit en réutilisant des travaux préexistants, soit en sollicitant des chercheurs pour des interventions publiques. Le chercheur est alors inscrit dans un processus collectif à plusieurs dimensions (politiques, artistiques, religieuses…) qu’il alimente de façon plus ou moins assumée et contrôlée. L’ensemble de cette présentation a été illustrée par une réflexion sur la notion d’engagement dans le contexte du Pôle régional des musiques actuelles de La Réunion où l’intervenant exerce la fonction de chargé de mission.

 

Séance 6 : Engagement et relations humaines

Cette séance a abordé les degrés de relation avec les enquêtés et la nécessité de composer avec eux dans la façon dont nous restituons notre travail de terrain. L’exemple étudié était celui d’une relation longue et amicale tissée entre un musicien malgache de tsapiky et un ethnomusicologue, confronté à sa propre incorporation dans les affres du parcours individuel du musicien installé en France.

 

Séance 7 : Valorisation du travail : pratiques, stratégies, injonctions

Cette séance a abordé différents aspects de la valorisation du travail du chercheur : le cadre du service public, la recherche sous contrat, les obligations institutionnelles et professionnelles, les injonctions auxquelles nous sommes soumis de la part de divers commissions et comités, les instances de reconnaissance, les systèmes de classements et leurs effets pervers.

 

 

Séance 8 : Recherche et société civile

 

Cette dernière séance a été l’occasion de faire une synthèse du séminaire, de souligner certains aspects fondamentaux de la pratique de la recherche et  certains points transversaux aux différents thèmes abordés. Un dernier thème a également été abordé: celui des liens entre recherche et société civile et de la façon dont le chercheur peut répondre à la demande sociale, dans différents domaines (enquêtes de publics, politique culturelle) et différents pays (Amérique latine, Etats-Unis, où la notion d’engagement est indissociable du travail du chercheur).

Vivre et pratiquer la recherche en anthropologie de la musique et de la danse

Programme des séances

3e mardi du mois de 10 h à 13 h (salle 12, 105 bd Raspail 75006 Paris), du 20 novembre 2012 au 18 juin 2013

Ce séminaire collectif porte sur le métier de chercheur tel qu’il se vit au quotidien dans le champ des études sur la musique. Il s’agira d’aborder notre travail dans sa dimension artisanale, au travers de nos itinéraires individuels. Si les questions méthodologiques et la relation d’enquête font partie intégrante de ce séminaire, il intégrera des thématiques plus larges en déroulant chacune des étapes de nos parcours : les raisons qui nous amènent à choisir un sujet (personnelles, institutionnelles, statutaires, disciplinaires…), la légitimité des sujets choisis, l’enquête (le travail de préparation, nos expériences d’observation et d’entretien, les impasses rencontrées, les faux pas, les erreurs commises), l’engagement, la spécificité de certaines spécialités (comme l’ethnomusicologie), les stratégies de publication. Tous les éléments qui ont façonné notre pratique et guidé nos parcours seront ainsi abordés, dans une perspective d’objectivation et de dévoilement. Les séances, organisées par thème, comprendront plusieurs chercheurs (issus de l’équipe ou invités) afin de confronter leur expérience.

Programme :

20 novembre : Légitimité des objets

18 décembre : Construction de l’objet, choix des terrains et motivations personnelles

15 janvier : Techniques d’observation

19 février : Posture et statut du chercheur

19 mars : Implication du chercheur par rapport à son objet

16 avril : Engagement et relations humaines

21 mai : Valorisation du travail : pratiques, stratégies, injonctions.

4 juin : À déterminer

Les Audaces du tango, Petites variations sur la danse et la sensualité

 

photo couv Transboreal
Le tango désigne depuis plus d’un siècle une danse dont on a pu dire qu’elle est une pensée triste, ou une simple marche, mais qui fait se mouvoir des êtres enlacés, strictement habillés ou allant nu-pieds.
Apparue à la fin du XIXème siècle, la danse tango fut très tôt placée sous le signe du voyage. Son destin est frappé d’un paradoxe : nomade, non verbale, favorisant l’échange et l’échangisme, mobile, elle demeure associée dans l’esprit du plus grand nombre à ses terres originelles. Vers les rives du Rio de la Plata, on se presse du monde entier pour éprouver ses pas ensorcelants dans l’ambiance urbaine de la matrice et pour humer l’air nocturne des milongas. Après une immersion dans les yeux noirs du tango, certains abandonnent les oripeaux de leur ancienne existence pour s’en inventer une nouvelle.
Dossier de presse
Commander le livre sur le site des Editions Transboréal

 

 

Photos

Photographies en rapport avec le texte de Sara Le Menestrel : Lori, Linda, Andrea… Cheminements d’amateurs de musique franco-louisianaise

 

Tom's acoustic jam, Arnaudville

 

Jam à Tom's, sur la terrasse à l’arrière de la boutique, Arnaudville, 1er novembre 2009. Lori et Shane, un Californien qui vient régulièrement séjourner dans la région, chantent une chanson country. Au premier plan, Rick, musicien de bluegrass.

 

Jam à Tom's, Lori au Yukulélé, Arnaudville

 

Tom's, cuisine et atelier à l'arrière de la pièce principale

 

Lâche Pas (Linda, Andrea et Missy en special guest) à Nunu’s, Arnaudville, 1er novembre 2009

 

Jam avec deux grandes figures de la musique old-time, Tracy Schwartz et Gilly Hawker, Blackpot Festival, 2010, Lafayette

 

Jam à Tom's, Tracy Schwartz, Ginny Hawker et les membres du groupe Foghorn Stringband de Portland, Oregon

 

Ashokan (New York State), Southern Week, 2008. Cours de violon old-time

 

Ashokan (New York State), Southern Week, 2008. Atelier avec les membres du groupe louisianais The Red Stick Ramblers (ici, Linzay Young et Kevin Wimmer)

 

Programme d’une journée au Balfa Camp, avril 2008

 

« Band Lab » au Balfa camp, 2008. Des stagiaires forment un groupe et interprètent un morceau devant des enseignants du stage pour recevoir leur conseils. Ici, Tracy Schwarz (grande figure de la musique old-time) et les musiciens louisianais Kevin Wimmer et Steve Riley (caché), observent les stagiaires.

 

Performance de musiciens issus de différents groupes au Balfa Camp, 2008. De gauche à droite: Kevin Wimmer, Ed Poullard (frère de Danny Poullard), Preston Franck et Dirk Powell.

 

Linda accompagne Ed Poullard lors d’un atelier qu’il dirige. Balfa Camp, 2008.

Parcours de Christophe Apprill

Comme beaucoup d’autres, c’est au Théâtre du Châtelet en 1983 que j’ai rencontré une autre face du tango, différente de cette image surannée que nous étions alors nombreux à partager, celle d’une danse désuète, pratiquée par des personnes âgées aux sons d’une musique vieillotte, dans la lumière triste d’une fin d’après midi. Au contraire, ce spectacle chantait, jouait et dansait un autre air, celui de la ville au « bon air », au souffle du bandonéon, nimbé de pas de danse acérés, réalisés avec moult syncopes, par des interprètes costumés, mis sur leur trente et un, comme le font les gars des quartiers populaires. Tango argentino était programmé par le Festival d’automne au côté des chorégraphies de Trisha Brown, Karole Armitage et Lucinda Childs.

J’avais vingt ans. Ce soir, au théâtre du Châtelet, le tango est entré dans ma vie. D’une manière générale, la danse était en train d’y acquérir une dimension importante. Je revenais d’une traversée du Sahara en 404 Peugeot réalisée avec mon frère. Sitôt arrivé, mon amoureuse déclarait que c’en était fini. Cette séparation de jeunesse ré ouvrait la plaie laissée par la mort de mon père survenue lorsque j’avais neuf ans. Pour me sortir de la tristesse, pour entrer dans l’âge adulte, je me suis tourné vers une discipline que j’ignorais, tenaillé par un désir inextinguible de danser. Plus que les études, la pratique de la danse est devenue une façon de tenir debout ; l’instillation du mouvement dans la mélancolie. Dans ces conditions, l’apprentissage de la danse a représenté une démarche de survie. Jusqu’aujourd’hui, elle m’a permis de renouveler par mon corps et celui des autres le sentiment de mon existence et d’éprouver, banalement, l’étendue de mes solitudes.

Je suis mes premiers cours de danses jazz, contemporaine et de salon sur le campus de l’Université Paris X où je suis inscris en Géographie. Très vite, j’éprouve le désir d’enseigner les quelques pas de danse que je découvre, d’abord à la MJC de Saint-Michel au cœur du quartier latin à Paris, puis au Centre Culturel Français de Brazzaville, où j’ai séjourné deux ans. De retour en France en 1987, je n’ai pas cessé de prendre des cours et d’en donner. Je me suis progressivement familiarisé avec les différents courants de la danse contemporaine, et avec ma compagne de l’époque, nous avons introduit le tango « argentin » à Lyon au début des années 1990. Un soir de 1993, une participante habitant une ville du sud de la France suit l’un de nos cours. A la fin de la séance, elle fait observer qu’elle connaît un autre pas de base (la fameuse salida), soit une autre façon d’enseigner et de pratiquer, fondé sur l’improvisation. A partir de ce jour, j’entreprends de me former à ce tango fondé non pas sur des structures chorégraphiées, tel que je le pratiquais jusqu’alors, mais sur un matériel permettant de composer la danse au fur et à mesure. Lors d’un séjour à Paris, je prends un premier cours particulier avec Alfredo Palacios qui tenait le Latina, le premier bal tango  ouvert à Paris à la fin des années 80. C’est là que je vois danser Federico et Catherine pour la première fois. Les trouvant plutôt froid dans leur danse, je ne suis pas spécialement séduit de prime abord. Après avoir suivi un cours particulier avec eux, mon avis change : nourrit par une réflexion sur le mouvement et sur l’énergie, la structure et la couleur de leur danse me parle.

En 1994, en fondant l’association Tango de soie, je participe à l’essaimage subspontané du tissu associatif qui se donne pour ambition de promouvoir en France le développement de la danse tango et de la culture qui s’y rattache. Cette appellation provenait de la structure qui hébergeait les cours que nous donnions à la Condition des Soies, un centre social et culturel situé sur les pentes de la Croix Rousse. Elle renvoyait également à la construction de soi qui structure le rapport à cette danse pour un grand nombre de pratiquants. En ce qui me concerne, ma pratique participait de la construction d’une identité sociale qui, de toute évidence, ne pouvait se contenter de la seule identité professionnelle liée à mon activité d’enseignant dans le secondaire. Sitôt l’association Tango de soie créée, Federico et Catherine sont invités à donner plusieurs stages. Ils arrivent à la gare le samedi matin, nous déjeunons ensemble, puis ils donnent trois niveaux de cours le samedi après-midi. En soirée dans des établissements du centre ville comme le café Moulin Joli situé sur la place des Terreaux, se déroule le bal où ils donnent une démonstration. Ils dorment à la maison, puis le même programme de cours se poursuit le dimanche.

En 1996, nous organisons avec Tango de soie une manifestation en partenariat avec la Biennale de la danse. A cette occasion, la Biennale coproduit et programme A fuego lento, le premier spectacle de Catherine et Federico associant danse contemporaine et tango. Je me rappelle avoir assisté à l’une de leurs répétitions à la fin de l’été 1996 à la Cité de la musique de Nanterre où la compagnie était en résidence. Alors enseignant dans le secondaire, j’aurais vivement souhaité faire partie de cette création.

Cette même année, dix ans après la soutenance de ma maîtrise de géographie tropicale à Nanterre, je me remets aux études. J’effectue un DEA à l’institut d’Urbanisme de Lyon sur la diffusion contemporaine du tango argentin en France, puis je m’inscris en thèse à l’EHESS, étendant ma recherche à l’ensemble des danses de couple. Durant cette interruption, j’ai beaucoup dansé ; et je me suis souvent interrogé sur la suite à donner à mes études, ou plus précisément à une énergie qui je ne parvenais à investir dans un DEA et une thèse de géographie. Aucun sujet ne trouvait grâce à mes yeux : la géographie universitaire m’ennuyait. Ecrire sur la danse me démangeait. C’est seulement parce que je choisis un objet de recherche où je suis impliqué en tant que pratiquant que je parviens à renouer avec la poursuite de mon cursus universitaire.

Mon rêve de devenir danseur devient réalité en 1998 lorsque Catherine organise une audition en prévision de son prochain spectacle. Je suis retenu et commence à répéter fin 1998 à la scène nationale des Gémeaux à Sceaux où la compagnie est accueillie en résidence de création pour trois mois. De 1998 à 2003, je poursuis deux activités qu’en occident, on présente comme inconciliable : je danse dans la compagnie Quat’Zart de Catherine Berbessou et Federico Rodriguez Moreno, j’enseigne le tango et j’effectue des recherches sur la danse. D’enseignant dans le secondaire, sans transition, je deviens « danseur professionnel » comme on dit dans le jargon des milieux extérieurs à la profession, c’est-à-dire danseur de scène, bénéficiant du régime des intermittents du spectacle. De théâtre en studios, de période de créations en répétitions, je partage la vie de la compagnie pendant cinq années, participant à deux créations et un film.

Lorsque j’étais étudiant à Nanterre, j’avais vu mes premiers spectacles de danse contemporaine au Théâtre de la Ville à Paris. Après mon installation à Lyon, ma carrière de spectateur s’était naturellement poursuivie par une fréquentation assidue de la Maison de la Danse. Après Avignon en 1999, nous nous retrouvons à jouer Valser au Théâtre de la Ville en 2001, puis Fleur de cactus (pdf à télécharger) en 2002 dans ce même théâtre ainsi qu’à la Maison de la danse de Lyon. Tout se retrouve inversé. Un soir, à la Maison de la Danse, une rencontre avec les spectateurs suit la représentation. Les interprètes et la chorégraphe se retrouvent assis en bord de scène, les jambes ballantes dans le vide qui sépare l’avant-scène des premiers rangs, à répondre aux questions. Parmi le public se trouvent des élèves du lycée du Parc, accompagnés par leurs professeurs d’EPS que je connais bien, puisque nous participions ensemble à des stages de danse organisés dans le cadre de la formation continue par le Rectorat. Le lendemain matin, avec Federico, pour ces mêmes élèves et leurs professeurs, nous animons une initiation au tango au lycée.

En 2003, pour des raisons personnelles, Catherine dissout la compagnie alors que des propositions de résidence lui étaient faites dans les scènes nationales de Metz et de Lorient. La dissolution de la compagnie intervient juste avant la crise des intermittents qui éclate en réponse à la réforme du régime d’indemnisation. Je cesse de danser en compagnie, je soutiens ma thèse et je poursuis ma pratique du tango. Toutes ces années, je n’ai cessé d’enseigner le tango argentin et de continuer de travailler différents aspects de cette danse. Federico a beaucoup marqué mon cheminement : il a été l’un de mes principaux professeurs et est demeuré une référence constante. De mon côté, j’ai transmis le goût de cheminer dans cette pratique à plusieurs participants de mes cours donnés à Lyon, Montpellier et Marseille : Yannick, Sylvie, Djamel, Son et Carole sont devenus à leur tour professeur de tango.

C’est dire que j’aborde cette pratique du dedans et selon plusieurs postures : celle de l’organisateur d’événements, celle du danseur et celle du professeur, mais en étant toujours connecté à un état de pratique en mouvement, c’est-à-dire relié à la posture de l’apprenti. Pour autant, la variabilité des mes positions à l’intérieur de cette pratique maintient irréductible une différence fondamentale : je n’ai jamais eu la sensation de cheminer à l’intérieur de ma propre culture, même si avec le temps, j’en suis arrivé à formaliser plusieurs aspects qui s’arriment dans les références de l’aire culturelle de l’Europe occidentale.

Parcours de Guillaume Samson

Étudiant dilettante en Deug d’histoire à l’université d’Angers, j’étais bien plus stimulé par les cours de saxophone, l’exploration du jazz et des musiques d’Amérique latine. Je décidai de m’inscrire en licence d’ethnologie à Nanterre. Mon cousin Étienne, qui m’accompagnait le jour de l’inscription, m’incita à me spécialiser en ethnomusicologie, choix que je n’avais pas vraiment envisagé mais qui s’avéra décisif par la suite… A Nanterre, je rencontrai notamment Julien avec qui je partageais des goûts musicaux et une certaine approche de l’ethnomusicologie. Nous devinrent amis et j’intégrai son groupe de musique angolaise. Le choix de mon « terrain » d’étude se fit un peu par hasard. L’attrait que j’éprouvais pour les sociétés et les musiques créoles (que je ne saurais d’ailleurs expliquer clairement pour l’instant) ainsi que les conseils de Bertrand, un ami de mes parents installé à La Réunion, m’orientèrent vers l’île Rodrigues. Ce terrain de maîtrise m’était pour ainsi dire inconnu avant que j’y mette les pieds…
Au cours de ce séjour passionnant et passionné de trois mois sur l’île, je logeais chez Verlaine, qui dirige un centre de formation agricole pour enfants en difficulté, et son frère Saül. Verlaine était une amie de Bertrand qui œuvrait pour le centre agricole. Avec Saül, elle me rendit l’existence aussi agréable que stimulante en me faisant participer à la vie de sa famille et à celle du centre. De retour à Angers, je fus pris d’une profonde nostalgie des amitiés que j’avais nouées et des ambiances musicales que j’avais vécues là-bas. Histoire de me rapprocher de l’île Rodrigues, et parce que l’enseignement de l’ethnomusicologie à Nanterre était peu tourné vers mes centres d’intérêt, je m’installais donc à La Réunion en 1997, poursuivant un DEA interdisciplinaire suivi de deux années en tant qu’objecteur de conscience à l’université de La Réunion. J’y rencontrai Sabine, réunionnaise, et je m’installai avec elle, m’enracinant petit à petit dans une l’île différente, à bien des égards, de Rodrigues. En voulant me rapprocher de l’univers rodrigais, j’en avais trouvé un autre…

J’ai ensuite poursuivi mes études de doctorat sur la musique réunionnaise, principalement à distance (j’étais inscrit à Aix-et-Provence et à Montréal), en gagnant ma vie comme formateur en français et en réalisant des recherches « patrimoniales » pour le Pôle Régional des Musiques Actuelles de La Réunion. Le PRMA avait quelques années d’existence et démarrait une action patrimoniale importante consacrée aux musiques de l’océan Indien, à travers son label Takamba. En accord avec la DRAC, qui m’avait repéré comme jeune ethnomusicologue, on me confia d’abord la tâche de transcrire intégralement et de synthétiser les enregistrements d’une enquête réalisée en 1978 par le Musée National des Arts et Traditions Populaires. Cette enquête, qui questionnait profondément l’adéquation des méthodes classiques de l’ethnomusicologie aux réalités des terrains créoles, me plongea dans les enjeux méthodologiques de l’étude de la diversité musicale réunionnaise. Ce fut le point de départ d’une approche que je n’ai pas quitté depuis. Pendant ce temps d’étude, j’avais aussi joué avec un groupe de reggae et quelques musiciens de Saint-Denis, avant d’abandonner, faute de temps et de motivation, la pratique assidue du saxophone, pour me concentrer sur mes études, mon travail « alimentaire » et ma relation amoureuse.

Après un séjour à l’université de Montréal, je soutins donc, en 2006, mon doctorat qui abordait la question des représentations identitaires à travers la musique à La Réunion. Je devins également un prestataire régulier du PRMA, dont je suis le « chargé de l’observation » depuis 2007, arrêtant la formation professionnelle et m’orientant vers des recherches dites « appliquées ». En à peine dix ans, j’étais passé de l’étudiant musicien « participant », voire insouciant, au chargé d’étude métropolitain (zorey) proche des institutions, travaillant plus ou moins à la commande pour une association fortement « exposée » dans le secteur musical… J’étais loin ici de l’enchantement un peu naïf de mon premier terrain rodrigais, mais j’étais aux prises avec des enjeux tout aussi passionnants bien que d’un autre registre. Malgré tout, je ressentais le besoin de m’engager parallèlement dans des recherches moins « téléguidées », d’explorer plus librement et de nouer des contacts plus « serrés » avec des musiciens. Impliqué dans une mission de collectage musical (également une commande) à Mayotte, je fus amené à filmer un concert de Lindigo, à titre d’entraînement à la captation vidéo de musique. Victor, qui allait diriger la mission, connaissait le leader, Olivier. Ma première rencontre avec lui avait eu lieu quelque temps auparavant au PRMA. Olivier avait engagé la conversation de façon simple et cordiale et m’avait remis le premier CD de son groupe qui n’avait pas encore la renommée et la carrière qu’il a aujourd’hui…

Parcours de Nicolas Puig

Premiers pas

Pour moi cela commence par la langue, l’arabe égyptien. Je suis immédiatement sensible à sa musicalité : des voyelles étirées, des emphatiques arrondies, des accents toniques qui relèvent la fin des phrases et les sourcils des locuteurs… J’entends ces sonorités en parcourant les rues où se pressent les habitants, ceux qui tiennent la ville, l’emplissent de leurs paroles, de leurs salutations, de leurs appels, ceux qui vendent leurs légumes, poissons et marchandises diverses, ceux, encore, qui poursuivent  leur commerce sociable sans aucunement se soucier d’en préserver l’intimité. Ces voix forment une longue conversation ininterrompue qui accompagne mes déambulations ; ainsi me parle la ville, chuchote parfois, crie souvent, dans le lacis des ruelles jaunies des quartiers affairés. Puis, soudain, la musique est présente. Je la perçois. Elle est suspendue dans l’espace sous la forme de nuages colorés qui vous enveloppent soudainement et disparaissent pour se reformer ailleurs, en grappes plus ou moins denses, plus ou moins sonores, selon les lieux et les heures de la journée et de la nuit.

Ahmad

« C’est pas la peine de te fatiguer, on ne t’entend pas », me glisse Saïd durant une entracte où, descendu de la scène, je m’en retourne vers le petit groupe de français qui m’a accompagné à cette fête de mariage dans un lointain quartier.

Nous sommes en septembre 1990, juste avant de rejoindre mes amis dubitatifs, j’étais debout sur la scène, une simple estrade de bois nu. Devant nous un parterre d’hommes de femmes et d’enfants, et sur le côté, assis côte-à-côte sur deux fauteuils rouges capitonnés, les mariés figés dans un sourire fardé.

Les amplis sont saturés, un écho rageur prolonge chaque note d’une dizaine de vagues, nous évoluons sous les lampions multicolores, dans un décor de grandes tentures dont les motifs rouges et verts s’entrelacent formant d’improbables géométries. J’ai 22 ans. Ahmad est à côté de moi, assis devant son clavier, il a 35 ans.

C’est une fête de mariage au Caire, je gratte ma guitare sans conviction, un peu distancié musicalement par ce qui se passe autour de moi ; profitant d’être au centre du spectacle, pas très à l’aise, j’observe néanmoins.

Car j’ai fini par rencontrer Ahmad.  Étudiant en arabe, je suis au Caire pour suivre un stage de deux mois. À force de traîner  autour de la porte Zuweila et dans le quartier de Darb al-Ahmar, j’arrive jusqu’au petit appartement aveugle de la hara (ruelle) Abdallah Beyk ou il vit avec son épouse et ses deux filles, conduit par un gars rencontré au café auquel j’ai confié mon inclinaison pour la musique. Avec Ahmad, on sympathise immédiatement. On se voit souvent durant ce premier séjour au Caire. On discute de l’Orient et de l’Occident, de l’Egypte et du monde, de la vie du quartier, des voisins, de musique aussi, surtout. Il m’apprend les rudiments de la musique arabe, les modes, les répertoires, les intervalles et les ornementations. Un jour, nous fêtons à l’appartement l’anniversaire de sa fille ainée, Rana. Des photos sont prises, sur l’une d’entre elle, nous posons : Ahmad est derrière son clavier, les doigts en éventail sur les touches, nous tous à ses côtés, les filles devant, souriantes.

Lors d’un second séjour l’année suivante,  je fréquente de nouveau assidument l’appartement, et je promets de revenir rapidement au moment du départ. Deux ans plus tard, en effet, j’attrape un vol depuis la Tunisie où je suis  coopérant du service national. Je loge alors pour une semaine chez Ahmad et sa famille, sa femme est enceinte. Les contractions la prennent une après-midi et elles se font plus fortes la nuit venue. Umm Rana se réfugie alors dans la chambre à côté du petit salon où nous nous tenons avec Ahmad, les filles dorment dans la troisième pièce. La sage femme « traditionnelle » (daya) vient. Elle accompagne le travail d’Umm Rana, j’entends ses invocations, ses bénédictions et ses encouragements qui couvrent presque les cris de souffrance. Et l’enfant vient : c’est un garçon !

L’anthropologie

Quelques pérégrinations et une thèse plus tard, me voici de retour au Caire. Nous sommes en septembre 1999. Ranin est âgé à présent de 6 ans, Ramil de 15 et Rana approche de la vingtaine. Ahmad, quant à lui, a plus de quarante et il est au faîte de sa carrière locale. Je peux m’en apercevoir au café, avenue Mohamed Ali, où tout le monde le connaît et le salue. Il est « propriétaire d’une chaise » (sahib kursi) dans l’un des cafés, il s’y tient dans l’attente des propositions de travail et y déroule ses sociabilités quotidiennes.

Tout de suite, je centre l’enquête sur l’avenue Mohamed Ali et, inévitablement, sur l’appartement d’Ahmad : à cette époque une sorte d’annexe de l’avenue. Les musiciens forment un milieu qui se prête particulièrement bien à l’exploration, du point de vue des cultures professionnelles comme urbaines. Je les accompagne de cérémonies en cérémonies, de mouled (anniversaire de saint) en farah (fête de mariage), dans tous les quartiers de la ville. Les musiciens sont aussi pour moi des guides pour approcher les mondes sociaux de la ville, leurs organisations, leurs imaginaires, leurs interrelations. Les ambiguïtés et les controverses liées au métier de la musique et à ses supposés prolongements immoraux (présence de femmes de petites vertus, consommation d’alcool, musiques dépravées) sont l’occasion d’observer la ville depuis une marge morale. La musique apparaît alors comme le prisme sensible par lequel la société citadine se donne à lire.

Ahmad et son épouse adoptent avec enthousiasme l’idée de travailler sur les musiciens de mariage au Caire, Ahmad y voit une façon de témoigner de leur destinée capricieuse. Dès le départ, lors des premières discussions et au gré des observations, je ressens toute la frustration d’un milieu professionnel déclassé qui place dans mon travail quelque espoir de rétablissement de sa réputation. Je suis ainsi institué historien de l’avenue Mohamed Ali et biographe des musiciens anonymes.

La photo accrochée au mur

Aujourd’hui, je suis encore en train d’adapter et de traduire en arabe, le livre que j’ai écrit à la suite de cette enquête. Ahmad m’enjoint de me dépêcher, faute de quoi tous ceux qui figurent dans ses pages auront disparus.

Il me le dit tranquillement, accroché à son narguilé comme un naufragé à sa bouée, et je sais qu’il n’exagère pas, tant la maladie n’épargne pas les artisans de la musique. Nous sommes dans le quartier péri-central de Duwiqa. L’immeuble dans lequel se trouvait le petit appartement d’Ahmad en rez-de-chaussée a été vendu. Les habitants n’ont eu d’autres choix que de partir moyennant une compensation conséquente. Ahmad et Umm Rana l’ont investie dans la maisonnette qu’ils avaient obtenue à la suite du tremblement de terre d’octobre 1992. Ils ont érigé un étage et, avec le reste de l’argent, ils ont acheté un autre petit logement dans leur quartier d’origine. Ils y ont installé leur fils Ranin.

Umm Rana nourrit une très forte nostalgie de l’appartement de la hara Abdallah Beyk – sans compter qu’elle doit désormais emprunter trois transports différents pour se rendre quotidiennement aux ateliers dont a hérité Ahmad. Ce jour de septembre 2012, elle paraît un peu triste. Je partage sa mélancolie, le lieu me manque aussi après tant d’années passées à le fréquenter ; je suis sensible alors au déroulé du temps qui nous a rapproché au point de créer cette sorte d’intimité qui ne s’effraie pas du silence. Je lève les yeux sur le mur lépreux et nous revois tous : sur un agrandissement encadré d’une photo de l’anniversaire de Rana, nous sourions à nous-mêmes vingt ans plus tôt, des chapeaux pointus sur la tête.