Séminaire 2017-2018: “Méthodologies d’enquête en musique et en danse : mobilisation sensorielle et engagement corporel”

Les terrains de la musique et de la danse sont riches d’engagements corporels et de mobilisations sensorielles. L’objet de ce séminaire consiste à les interroger, en associant des séances théoriques, où seront définis des cadres de référence méthodologiques, avec des séances pratiques, où nous mobiliserons un éventail d’outils et de techniques permettant de décrire finement des types de corporéité dans une situation donnée. En instaurant un va et vient entre la théorie et l’expérience, l’objectif est de construire collectivement des pistes interprétatives. Il s’agira de développer une réflexion critique sur les représentations essentialistes des pratiques musicales et chorégraphiques à partir de nos propres sensations dans les ateliers pratiques. Cette démarche entend enfin affiner les degrés de perceptions, de description et d’analyse des chercheurs en anthropologie de la musique et de la danse.

Mardi de 10 h à 13 h, EHESS, 105 bd Raspail, 75006, Attention, salles variées

Programme :

  • Mardi 21 novembre 2017 : Introduction (salle 11)
  • Mardi 19 décembre 2017 : Christophe Apprill, « Expérience de la danse et engagement corporel », (salle 11)
  • Mardi 16 janvier 2018 : Julien Mallet : « Compréhension et incorporations culturelles différenciées et universelles de la musique » (amphithéatre François Furet)
  • Mardi 13 février 2018 : Matthieu Gaudeau (comédien, danseur praticien de la technique Alexander et enseignant de contact improvisation) “Le geste ému” (salle 4)
  • Mardi 20 mars 2018 : Nicolas Puig, « Paysages sonores » (salle 1)
  • Mardi 10 avril 2018 : Kali Argyriadis, Nicolas Puig : «  Au croisement de la recherche et de la création artistique. Figures de collecteurs : Halim Al-Dabh (Egypte) et Rogelio Martinez Furé (Cuba) » (salle 1)
  • Mardi 15 mai 2018 : Caterina Pasqualino (CNRS, LAIOS) “La contagion émotionnelle, entre performance et film” (salle 9)
  • Mardi 5 juin 2018 : Séance conclusive (salle 8)

 

Le goût du corps

Textes choisis et présentés par Christophe Apprill, Mercure de France, 2017.
Parmi nos goûts ordinaires, celui du corps de l’Autre, indissociable du mien, occupe une place majeure. Il nous conduit dans des interactions obligées avec une surface vivante, décrite par un éventail de disciplines scientifiques. Le corps est partout (où n’est-il pas ?). Il parle et la sémiotique s’en empare ; il constitue une surface où s’imprime le social et les sociologues lui tombent dessus. Il devient malade et le corps médical s’en préoccupe ; mélancolique et les apôtres du développement personnel préconisent séminaires, massages et techniques respiratoires. Au quotidien, quand bien même nous ferions tout pour en gommer la présence, notre corps nous accompagne partout. A chaque période de notre existence, il se rappelle à nous de manière plus ou moins insistante. Louvoyant, la littérature se saisit rarement frontalement de cette évidence. Le corps apparaît par la bande, relevant plutôt d’un surgissement, tantôt doux, jouissif, amer ou douloureux.

Séance Elina Djebbari, “Le Corps comme archive”

Bibliographie

Argyriadis Kali, 2005, « Les batá deux fois sacrés. La construction de la tradition musicale et chorégraphique afro-cubaine », Civilisations 53, 1-2 : 45-74.

Bithell Caroline, 2006 « The Past in Music: Introduction », Ethnomusicology Forum 15, 1 : 3-16.

Buckland Theresa Jill, 2001 « Dance, Authenticity and Cultural Memory: The Politics of Embodiment », Yearbook for Traditional Music 33 : 1-16.

Daniel Yvonne, 2011 Caribbean and Atlantic Diaspora Dance. Igniting Citizenship. University of Illinois Press.

Franco Susanne, 2015 « Reenacting Heritage at Bomas of Kenya: Dancing the Postcolony », Dance Research Journal 47, 2 : 3-22.

Gilroy Paul, 1993 The Black Atlantic : Modernity and Double Consciousness. Cambridge, Harvard University Press.

Lepecki André, 2010 « The Body as Archive: Will to Re-Enact and the Afterlives of Dances », Dance Research Journal 42, 2 : 28-48.

Nora Pierre, 1997 [1984], « Entre histoire et mémoire » in Pierre Nora, Les Lieux de mémoire, tome 1. Gallimard, Paris : 23-42.

Puig Nicolas, 2006 « ‘Shi filastini, quelque chose de palestinien’. Musiques et musiciens palestiniens au Liban : territoires, scénographies et identités », Tumultes 2, 27 : 109-134.

Rothberg Michael, 2010 « Introduction: Between Memory and Memory: From Lieux de mémoire to Noeuds de mémoire », Yale French Studies 118/119 : 3-12.

Taylor Diana, 2003 The Archive and the Repertoire: Performing Cultural Memory in the Americas. Durham, NC, Duke University Press.

Séminaire 2016-2017 – Musique et corps : un objet d’analyse et un outil d’investigation

INDICATIONS BIBLIOGRAPHIQUES

Bernard Andrieu, Gilles BOËTSCH (dir.), Dictionnaire du corps en sciences humaines et sociales, Paris, CNRS Editions, 2008 (2006)

Kali Argyriadis : Notion de personne et enveloppe charnelle

AUGE, Marc, 1988, Le Dieu objet, Paris, Flammarion.

(coll.) 1973, La notion de personne en Afrique noire, Paris, CNRS [Actes du colloque international du Centre national de la recherche scientifique, Paris 11-17 octobre 1971].

GRUZINSKI, Serge, 1990, La guerre des images, Paris, Fayard.

LENCLUD, Gérard, 2009, « Être une personne », Terrain n° 52, mars, pp. 4-17.

MAUSS, Marcel, 1950 [1938], « Une catégorie de l’esprit humain : la notion de personne, celle de ‘moi’ », et « Les techniques du corps », in Sociologie et anthropologie, Paris, PUF.

DUFRÊNE, Thierry, GRIMAUD, Emmanuel, TAYLOR, Anne-Christine, VIDAL, Denis, Persona. Étrangement Humain, Paris, Actes Sud / Musée du quai Branly, 2016 (voir notamment article d’Emma Gobin, « Matières à personnes dans les cultes afro-américains », et Julien Bonhomme, « Comment faire parler un instrument de musique »).

Julien Mallet : Le corps comme support de logiques de différenciation

Radano, Ronald M., Bohlman, Philip V. (eds.) Music and the Racial Imagination, Chicago, The University of Chicago Press, 2000.

Décoret-Ahiha, Anne, Les danses exotiques en France, 1880-1940, 2004.

Crenshaw, Kimberlé Williams,  Bonis, Oristelle, « Cartographies des marges : intersectionnalité, politique de l’identité et violences contre les femmes de couleur », Cahiers du Genre 2005/2 (n° 39), p. 51-82.

Emerson, Rana A.,  « ‘Where my girls at ?’, Negotiating Black Womanhood in Music Videos», Gender & Society, Vol. 16, 1, February 2002, 115-135.

« Musiques dans l’ ‘Atlantique noir’ », numéro spécial, Cahiers d’études africaines, n° 216.

« Construire la blackness depuis l’Afrique, un renversement heuristique », numéro spécial, Politique africaine, 4/2014 (136).

« Sex Sells, Blackness too ? », Volume !, 2011/2 (8:2).

 

Gabriel Segré : Le corps du spectateur

FISKE, John, 1992, « The Cultural Economy of Fandom », in Lewis Lisa A., The Adoring Audience: Fan Culture and Popular Media, Londres, Routledge, pp. 30-49.

HILLS, Matt, 2002, Fan Cultures, Routledge, London & New York.

JENKINS, Henry, 1992, Textual Poachers: Television Fans & Participatory Culture, London, Routledge.

LE BART, Christian, AMBROISE Jean-Charles, 2000, Les fans des Beatles. Sociologie d’une passion, P.U.R.

LEVASSEUR, Martine, VERON, Eliseo, 1983, Ethnographie d’une exposition. L’espace, le corps et le sens, B.P.I., Centre G. Pompidou.

LEWIS, Lisa A., 1992, The Adoring Audience: Fan Culture and Popular Media, London and New York, Routledge.

POUCHELLE, Marie Christine, 1983, « Sentiments religieux et show-business : Claude François, objet de dévotion populaire », in SCHMITT, J.L., Les saints et les stars, Beauchesne, Paris.

SEGRE, Gabriel, 2014, Fans de… Sociologie des nouveaux cultes contemporains, Colin.

 

Nicolas Puig : Approche sensible/sonore

Augoyard, Jean-François, 2003, « Une sociabilité à entendre », Espaces et sociétés, Ambiances et espaces sonores, n° 115, p. 25-42.

en ligne : http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k56196707.image.f26.tableDesMatieres

Chelkoff, Grégoire, 2013 « L’homme sonore en contexte urbain : les trente premières années du laboratoire CRESSON », in Paysages sensoriels. Essai d’anthropologie de la construction et de la perception de l’environnement sonore, sous la direction de Joël Candau et

Le Gonidec, Marie-Barbara, CTHS, p. 177-196

Fabian, Johannes  2006 (1983), Le temps et les autres. Comment l’anthropologie construit son objet, Traduction française par Estelle Henry-Bossoney et Bernard Müller. Anacharsis, 313 p.

Laplantine, François, 2005, Le social et le sensible, Introduction à une anthropologie modale, Téraèdre.

Sterne, Jonathan, 2015, Une histoire de la modernité sonore, Éditions La Découverte/Philharmonie de Paris – Cité de la musique, 505 p.

 

Christophe Apprill : L’incorporation en question : quel dialogue entre les approches somatiques et les approches des sciences sociales.

Alexander, F. Matthias, 1985, L’usage de soi, Bruxelles, Contredanse.

Apprill, Christophe, 2007, « La notion d’incorporation dans les théories du corps en danse », in Repenser pratique et théorie. Colloque international de recherche en danse, CND/SDHS, Paris, pp. 427-433.

Apprill, Christophe, 2016, « One step beyond. La danse ne circule pas comme la musique », in Géographie de la danse, Raibaud Y. (dir.), Géographie et Cultures, N°96, pp. 131-150.

Bainbridge, Cohen Bonnie, 2002 [1993], « Sentir, ressentir et agir », Nouvelles de danse, N°50, Bruxelles, Contredanse.

Bourdieu, Pierre, 1980, Le sens pratique, Paris, Minuit.

Foucault, Michel, 2009, Le corps utopique, les hétérotopies, Paris, Nouvelles Editions Lignes.

Gentis Roger, 1989, Les leçons du corps, Paris, Flammarion.

Nouvelles de danse, 1996, « L’intelligence du corps », n°28, Bruxelles, Contredanse.

Laplanche, Jean, Pontalis Jean-Bertrand, 2007, Vocabulaire de la psychanalyse, Paris, PUF.

 

Sara Le Menestrel : Expérience sensorielle et hypnose

Erickson, Milton, De la nature de l’hypnose et de la suggestion, 4 tomes, Satas, 2009.

Glisky, M., D. Tataryn, K. McConkey, B. Tobias, and J. Kihlstrom. . “Absorption, Openness to Experience, and Hypnotizability.” Journal of Personality and Social Psychology :60 :263-272

Jeannerod, Marc, La Nature de l’esprit: sciences cognitives et cerveau, Paris, France: O. Jacob, 2002.

Jouvent, Roland, 2009, Le cerveau magicien, de la réalité au plaisir psychique, Paris, Ed. Odile Jacob.

Le Breton, David, 2014, « Le corps entre significations et informations », Hermès, « L’autre n’est pas une donnée. Altérités, corps et artefacts », Renucci (dir.), p. 21-30.

Merleau-Ponty, M., Phénoménologie de la perception, Paris, Gallimard, 1945.

Michaux, Didier, (dir.) La transe et l’hypnose, Imago, Paris, 1995.

Roustang, François, Jamais contre, d’abord. La présence d’un corps, Paris, Odile Jacob, 2015.

Snodgrass, M., and S. Lynn. “Music Absorption and Hypnotizability.” International Journal of Clinical and Experimental Hypnosis : 37:41-54

Sheets-Johnstone, Maxine, The primacy of movement, expanded second edition,  John Benjamins Publishing Company, 2011 (1999).

Séminaire 2016-2017, Musique et corps

Attention la salle change cette année ! Salle 11, 3ème étage

Le 3e mardi du mois de 10 h à 13 h (salle 11, 105 bd Raspail 75006 Paris), du 15 novembre 2016 au 16 mai 2017. Séance conclusive le 6 juin (même heure, même salle)

Dans le prolongement du séminaire de l’année dernière consacré à l’ethnographie du sensible et aux modalités de la restitution de l’expérience, nous aborderons cette année la question du rôle du corps à la fois comme outil d’investigation et comme objet d’analyse en anthropologie de la musique et de la danse.

Au cœur de ces séances, trois corps – des corps mis en scène, donnés en spectacle, tenus à distance ou fusionnés :

  • le corps du chercheur : au-delà de la participation observante, l’implication du corps comme moyen d’enquête et d’analyse ;
  • le corps de l’artiste. Un corps étudié notamment comme support de la création artistique, participant de cette création, mais aussi objet/ œuvre d’art ;
  • le corps du public/du spectateur, modalité d’expression de l’admiration, de l’attachement.
Ces corps seront appréhendés à la fois comme lieux de construction culturelle, sièges des émotions, réceptacles et éléments de construction d’identités diverses… Nous nous pencherons également sur les relations entre ces corps : relations de transmission (de savoirs, compétences, techniques, émotions), de domination, de séduction…

Notre objectif sera d’explorer l’éventail des déclinaisons corporelles, depuis les formes les plus extériorisées (mise en scène et apparences), jusqu’aux formes les plus intériorisées (sensations, incorporations, voire incarnations).

22 novembre 2016 : Introduction

14 décembre 2016 : Christophe Apprill, « Les leçons particulières d’un cours particulier »

17 janvier 2017 : Gabriel Segré, « Fans et spectateurs : corps dévoués, corps signifiants, corps socialisés »

21 février 2017: Elina Djebari, « Le corps comme archive »

21 mars 2017 : Julien Mallet, « Corps féminin et musiques ‘chaudes’ à Madagascar ».

18 avril 2017 : Dina Roberts (psychiatre, Pôle Paris-Centre, Hôpitaux de St Maurice) et Guillaume Martinet (jongleur, Compagnie Defracto), « La présence corporelle : rencontre du jonglage et de l’hypnose ».

16 mai 2017 : Kali Argyriadis, « Dieux-objets et corps possédés (Cuba, Mexique) »

6 juin 2017 : séance conclusive

Séminaire 2015-2016

Ethnographier le sensible, restituer l’expérience

Les terrains sur la musique et la danse ne tiennent pas nécessairement compte des dimensions sensibles de l’expérience. Dans ce séminaire, nous nous intéresserons spécifiquement aux perceptions, aux émotions, aux sensations tant du point de vue des acteurs que des chercheurs.

L’observation participante est-elle la seule technique qui donne accès à ces dimensions ? Quel statut accorder à l’analyse des discours pour les éclairer ? D’autres méthodes sont-elles à explorer ? Anthropologie sonore, approche thérapeutique, utilisation du corps comme outil d’investigation ethnographique, apprentissage sur le temps long de savoirs acquis par l’exercice parfois professionnalisé d’un art musical ou dansé.

Nous tenterons ainsi de parcourir durant cette année le spectre des méthodes qui permettent de restituer la part sensible de l’expérience.

 

Programme :

 

17 novembre : Introduction

15 décembre : Laura Fléty, LESC, Université Paris Ouest Nanterre

La danse morenada : Savoirs kinesthésiques, expérience collective et dépassement de soi.

(La Paz, Bolivie)

 

Pour la grande célébration annuelle dédiée au saint patron catholique de la ville de La Paz (Bolivie), les danseurs de morenada exécutent une performance chorégraphique qui met en scène un collectif de personnages noirs aux masques et costumes opulents et chargés. Cette présentation s’attachera à saisir la nature de l’expérience corporelle des danseurs : endurance physique, contrôle des émotions, unisson gestuel. En s’intéressant aux techniques du corps, aux savoirs somatiques ainsi qu’aux sensations éprouvées par les danseurs à travers la mise en mouvement des costumes, la forte consommation d’alcool ou encore l’exécution répétée de formes chorégraphiques collectives, il s’agira d’appréhender le corps comme un véritable outil de connaissance et de porter un regard anthropologique sur la dimension sensible du langage dansé.
19 janvier, Vincent Battesti, CNRS, MNHN et Nicolas Puig, IRD, URMIS
“Ça c’est le son de la société. Enquêter sur les perceptions sonores au Caire”

Nous avons cherché à  recueillir des ambiances sonores et la description de ces sons et leurs commentaires par les habitants du Caire. Pour cela, nous avons équipé des habitants de cette mégapole — choisis plutôt parmi nos connaissances et informateurs habituels — de microphones stéréophoniques de type binaural et nous leur avons demandé d’effectuer un trajet routinier : du domicile au lieu de travail ou une course dans le quartier. Nous avons donc obtenu dans un premier temps des enregistrements sonores. Ces habitants ont ensuite été invités à décrire l’enregistrement de leur trajet (description que nous avons donc aussi enregistré). De ce matériel nous espérons démontrer l’importance de la dimension acoustique dans la vie urbaine quotidienne du Caire (Égypte), la qualification des ambiances sonores par les habitants qui en sont finalement les producteurs.
Dans ce séminaire, nous détaillerons la méthode employée en relation avec le type de connaissance attendue.

 

16 février, Tiziana Leucci, CNRS, CEIAS

Le corps et sa mémoire : apprendre la danse en Inde du sud  avec les anciennes danseuses/courtisanes et leurs maîtres »

Dans mon intervention, j’analyserai le processus d’apprentissage de la danse avec les anciennes danseuses/courtisanes (devadāsī/rājadāsī) et leurs maîtres (naṭṭuvaṉār), tels que je l’ai appris sur le terrain en Inde du sud, en situation d’observation participante ou plutôt de ‘participation observante’. Quand j’ai rencontré ces artistes (aujourd’hui très âgées, sinon disparues), elles ne pratiquaient plus la danse depuis des décennies suite à l’abolition de leur profession pour des raisons morales et politiques que j’expliquerai au cours de mon intervention. Pourtant, à la simple écoute de la musique, la mémoire corporelle des enchaînements de pas et de gestes leur revenait de manière étonnamment précise. Je souhaite ainsi réfléchir, avec les collègues et les étudiant-e-s participant-e-s au séminaire, aux différents aspects de cette mémoire du corps, par laquelle les ‘patrimoines’ artistiques familiaux et attachés à des temples sont restés inscrits malgré la complexité des trajectoires personnelles. Je me concentrerai aussi sur la transformation des techniques de ces formes chorégraphiques telles qu’elles sont transmises aujourd’hui dans les écoles privées et gouvernementales.

 

15 mars : Carine Plancke, Center for Dance Research, Université de Roehampton, LAS,

L’expérience sensible comme voie d’analyse des dynamiques dansées : transformations des danses au « Nouveau Rwanda »

 

Depuis sa prise de pouvoir, mettant fin au génocide en 1994, le Front patriotique rwandais a programmé la création d’une nation unifiée qui entre dans la « modernité » tout en restant ancrée dans ses racines. Dans ce but, la revitalisation de l’héritage culturel, en particulier des danses dites « traditionnelles », est fortement soutenue. Cette présentation porte sur les transformations que connaissent les danses rwandaises sous l’impact de l’idéologie gouvernementale du « Nouveau Rwanda ». Elle focalisera sur la troupe de jeunes Inganzo Ngari, qui, actuellement, sert de modèle aux autres troupes au Rwanda et est régulièrement invitée par des instances gouvernementales. Elle se basera sur ma participation aux répétitions et aux performances de cette troupe et mettra celles-ci en rapport avec mon expérience comme membre de la troupe parisienne Mpore créé par une danseuse formée avant le génocide. Elle examinera surtout comment mon expérience sensible, qui fut différente dans ces deux troupes, a été une voie d’accès importante pour discerner les transformations apportées par Inganzo. Dans la troupe Mpore, l’ouverture sensorielle et affective aux invitations corporelles des co-danseurs s’est révélée comme le fondement d’une danse réussie. Pour le cas d’Inganzo c’est plutôt la sensibilité à la forme que prend le corps dans chaque mouvement et son ajustement à celle des autres danseurs qui s’est avérée essentielle et qui m’a fait comprendre l’impact du besoin de créer une image visuelle forte du nouveau Rwanda.

 

12 avril:

Benoît Lesage, médecin, chargé de cours à l’IFP (Psychomotricité) de Paris VI-Salpétrière, Danse-thérapeute,

Du sensible et de sa perception dans la danse : quel travail ?

La danse implique un travail du corps, qui peut s’entendre à deux niveaux : travail du corps constitué engagé dans une expressivité, mais aussi travail d’instauration du corps, toujours à construire.Apprendre à danser, c’est à première vue apprendre à effectuer des gestes en nuançant leurs modalités (directions, amplitude, coordinations, temporalité, intensités, qualités de flux…). Cette effectuation motrice suppose un affinement sensoriel, travail de perception qui balaye un champ phénoménal vaste et divers. Il faut repérer et construire les perceptions du corps (proprioception), de l’espace, du temps, des partenaires… Pour en saisir l’unité, il faut considérer la corporéité: le sujet apparaît en créant son corps, dans une interaction constante. Or s’aventurer dans la perception du corps en relation, c’est aussi questionner le sens de soi, l’histoire qui l’a construit, le jeu relationnel et donc émotionnel. On comprend dès lors que ce que mobilise ce travail puisse prendre place dans un projet thérapeutique.

 

17 mai : Arnaud Halloy, Université de Nice Sophia Antipolis

« Pleine participation et réflexivité ethnographique »

Dans cette communication, j’interroge les conditions de production du savoir ethnographique, et en particulier celles relatives à l’engagement sans restriction de l’ethnographe sur son terrain, ce que je propose d’appeler la « pleine participation ». Une telle posture pose question, d’autant plus qu’il est généralement admis en anthropologie que l’objectivité du savoir produit repose sur la distance instaurée par l’ethnographe vis-à-vis de ses hôtes, qu’il s’agisse d’une « bonne distance » ou d’un « regard éloigné ». Une telle posture, toujours au nom de l’objectivité du savoir, tend également à rejeter toute donnée issue d’une démarche introspective de l’ethnographe sur sa propre expérience. A mes yeux, une alternative méthodologique existe à ces deux présupposés épistémologiques. Je défends en effet que la dite « objectivité « du savoir produit dépend non pas de la distance instaurée par le chercheur vis-à-vis de son expérience vécue ou des personnes avec qui il travaille mais vis-à-vis du savoir ethnographique lui-même, et que cette distance peut être obtenue à travers trois formes de réflexivité ethnographique que je détaillerai dans ma présentation.

 

7 juin : Synthèse

Séminaire 2014-2015

 

Terrains « saturés » : une approche par la musique et la danse

Certains terrains ou « lieux anthropologiques » font l’objet d’un investissement important en vertu de leur densité relationnelle, politique, sémantique et/ou symbolique. Ces terrains sont particulièrement saturés d’interprétations, celles des acteurs et celles des observateurs, et ils sont parcourus de tensions et d’oppositions entre les différents individus et groupes qui le fréquentent. Tel est le cas d’espaces stigmatisés comme les  marges des cités, de villes sinistrées, de cultes qui heurtent l’opinion publique ou encore de causes cristallisant indignations et polémiques. Autant de lieux dont l’abord est difficile à l’anthropologue et qui font l’objet d’analyses qui tendent à se concentrer sur les points les plus tangibles, au risque de restituer les discours dominants et de laisser dans l’ombre une part importante de l’activité sociale et symbolique déployée dans ces espaces.

Nous voudrions montrer dans ce séminaire qu’une approche par la musique et la danse offre à la fois un accès plus aisé à ces terrains spécifiques et permet de décentrer le regard et de renouveler la connaissance sur des objets particulièrement investis par la recherche.

Dit autrement, l’intérêt attendu d’un passage par le prisme de la musique et de la danse dans l’étude des faits sociaux est à la fois méthodologique (accéder à des terrains saturés) et heuristique (apporter un renouvellement des connaissances).

Différents intervenants, membres ou non de l’équipe MUSMOND, apporteront donc des éléments permettant d’étayer cette proposition en montrant comment la musique et la danse peuvent être mobilisées au service de l’étude de catastrophes, de pratiques religieuses, de contestations politiques, de transactions sexuelles et culturelles ou encore de transformation des espaces publics.

Calendrier 2014-2015 :

18 novembre 2014 : Introduction générale

Nicolas Puig, (Université Paris-Diderot, IRD/Urmis) « Du Caire aux camps palestiniens : la musique comme analyseur social »

Dans cette séance du séminaire nous reviendrons sur différents terrains de recherche en Égypte et au Liban dans lesquels les pratiques musicales ont constituées des entrées privilégiées pour interroger des mondes urbains et sociaux caractérisés par leur densité relationnelle, symbolique, politique, etc. Tout d’abord, les musiciens de mariage au Caire forment une profession mobile par nature et, dans leur sillage, il est possible d’appréhender la société citadine cairote dans ses « intérieurs » à l’occasion de rituels urbains complexes dans lesquels s’échangent dons et salutations. Au-delà des situations, les musiciens développent une connaissance de la ville et de ses différents espaces sociaux édifiée le long de géographies professionnelles. Les musiciens palestiniens au Liban construisent de telles géographies en s’insérant dans les espaces libanais dans le cadre de leur métier. Au demeurant, les camps de réfugiés Palestiniens au Liban sont aussi des lieux de musique. Les envisager sous l’angle des pratiques musicales qui y prennent place permet de réinterroger les différents évènements et commémorations en rythmant l’ordinaire aussi bien que les expériences quotidiennes. L’abord par la musique est, en effet, susceptible de ménager un accès à l’espace collectif de la communauté palestinienne, espace collectif que Michael Herzfeld désigne par  la notion d’« intimité culturelle ». Au-delà même de cette « intrusion » dans le privé de la nation (une nation sans État), il devient possible de contextualiser la rhétorique politique liée à la cause palestinienne et de replacer l’individu et le quotidien au centre du projet de connaissance.

16 décembre 2014 : Julien Mallet (Université Paris-Diderot, IRD/Urmis), « “Stars de la côte” à Madagascar : Musiques “mafana” ou l’art d’un branchement qui bouscule les stigmates »

A Madagascar, des musiques auparavant prises dans divers contextes exclusivement régionaux sont depuis quelques années diffusées à la capitale et à l’échelle nationale. Un des changements notables dans les représentations, réside dans le passage de référents identitaires liés aux appartenances régionales et/ou ethniques à des référents (notamment assignés par les médias de la capitale) appartenant à un registre globalisant « musiques mafana » (“chaudes”). Certains des artistes pris dans cette catégorie construisent de nouvelles formes musicales associant répertoires régionaux ou ethniques et formes modernes internationales, notamment en affirmant et revendiquant une appartenance « Black » par des emprunts à des genres musicaux africains modernes (coupé-décalé, dombolo mais aussi rap, RnB…).  Ce phénomène récent, en puisant dans des référents et codes ethniques régionaux et internationaux, renvoi à des imaginaires multiples. Il est aussi à comprendre dans un contexte historique (encore actuel) de relations interethniques au niveau national, héritées du système colonial et mobilisant des représentations stéréotypées et stigmatisantes entre « merina » (groupe ethnique historiquement dominant, de la capitale) et « côtiers », à travers des oppositions « blancs » / « noirs », « de type asiatiques » / « de type africains », « civilisés »/ « sauvages », …
En analysant l’émergence de ces “stars de la côte” nous verrons comment la musique est un support particulièrement heuristique pour analyser les constructions identitaires et les imaginaires contemporains liés à ces relations interethniques historiquement conflictuelles. Nous aborderons également les difficultés qui se posent au chercheur travaillant sur un sujet tabou, sensible et régulièrement manipulé par les politiciens.

20 janvier 2015 : Christian Rinaudo (Université de Nice-Sophia Antipolis, Urmis), « Son jarocho entre Mexique et Etats-Unis : circulation et racialisation d’une pratique en diaspora »

L’activisme politique et culturel du mouvement chicano à Los Angeles constitue sans aucun doute un terrain “saturé”. Très étudié depuis les années 1970, il a fait l’objet de nombreuses publications et il est aujourd’hui au coeur des recherches menées par les “Chicano Studies” aux Etats-Unis. Dans ce contexte, le détour par une anthropologie de la musique et de la danse et en particulier par l’étude de l’appropriation récente par les activistes chicanos d’une pratique musicale et festive originaire du Mexique, à savoir le son jarocho et les fandangos communautaires, permet d’aborder des questions souvent laissées dans l’ombre des recherches menées sur ce terrain. Défini comme un genre musical originaire de Veracruz et comme un produit du métissage de différents univers culturels (espagnols, africains, indigènes), le son jarocho a été considéré pendant longtemps comme une des composantes constitutives de l’héritage culturel mexicain. Au début des années 1970, quelques musiciens et universitaires ont commencé à questionner les dérives commerciales et folklorisantes de cette pratique. L’objectif était de récupérer la tradition maintenue dans sa zone d’origine et de “dé-blanchir” la représentation du “jarocho” construite à partir de l’incorporation du genre au répertoire des manifestations culturelles administrées depuis les institutions mexicaines. A partir des années 1990-2000, la collaboration entre la nouvelle génération de musiciens de Veracruz et le mouvement chicano à Los Angeles va multiplier les propositions de production d’une mémoire commune. C’est à travers ce processus, loin des lieux de fabrique du discours nationaliste mexicain que la rencontre avec l’héritage “afro” de cette pratique va prendre une forme nouvelle.

3 février 2015 : Christophe Apprill, « Danses et espaces publics : faire face aux fictions théoriques »

L’espace public est soumis à trois injonctions contemporaines : celle de la représentation (la ville comme aire de jeu), de la démocratie (ce qu’on peut y faire et ne pas y faire) et de l’appropriation (par le corps et le langage). Dans ce contexte, quelle valeur attribuer aux danses sociales et chorégraphiées qui le traversent, nous dit-on, par effraction ? Le corps du danseur devient –il l’incarnation de ces injonctions ? Ces traversées dansantes sont-elles l’expression d’une liberté retrouvée ou d’une normativité consentie ? L’espace public n’est-il pas une figure rhétorique obligée de la société de spectacle où la performance dansée vient bouleverser amoureusement l’ordre du discours des dispositifs culturels ?

17 mars 2015 : Altaïr Despres (Labex CAP), « De la danse contemporaine en Afrique aux relations d’intimité transnationale : retour sur un parcours de recherche »

Au-delà des difficultés d’ordre méthodologique qui se posent, en Occident comme ailleurs, dans l’étude de l’intimité, les pratiques de sexualité en Afrique constituent un terrain particulièrement « saturé ». Au pouvoir de fascination populaire qui les entoure depuis l’époque coloniale, s’est ajouté à partir des années 1980 un intérêt de recherche surdéterminé par la question de la transmission du VIH/sida, contribuant à la singularisation, sinon à la stigmatisation des sexualités sur le continent africain. L’entrée – certes « accidentelle » – sur le terrain de l’intimité par l’étude de la danse contemporaine en Afrique s’est avérée heuristique pour reformuler ces problématiques. En effet, le constat effectué sur le terrain selon lequel les stratégies mises en place par certains danseurs pour entretenir des rapports d’intimité avec des femmes occidentales visaient, de façon décisive, à obtenir un soutien culturel au développement de leur carrière professionnelle, a conduit à relativiser l’importance des enjeux économiques dans la structuration les relations intimes transnationales. La focale mise sur l’organisation de la pratique chorégraphique en Afrique a ainsi permis de renouveler la réflexion sur la sexualité et la conjugalité en Afrique en insistant sur les logiques d’accumulation culturelle qui sont à l’œuvre dans les rapports d’intimité.

14 avril 2015 : Kali Argyriadis, (Université Paris-Diderot, IRD/Urmis) « Où est ta douleur ? La Santa Muerte par les mariachis »

Alors que la société mexicaine est frappée par la recrudescence de la violence liée au trafic de drogue, le culte à la Santa Muerte, soupçonné de fomenter les crimes rituels, subit une campagne d’accusations extrêmement violente dans les médias. Dans le même temps, tandis que l’Église catholique brandit le spectre du narcosatanisme et autorise les exorcismes collectifs, de nombreux chercheurs l’érigent en symbole de résistance des classes populaires face à la corruption, à la crise, aux abus de pouvoir de la classe dominante et à l’impunité des criminels. Au-delà de ces affrontements qui saturent et biaisent d’emblée l’analyse, une approche de cette dévotion par sa dimension festive (à partir d’un terrain dans la ville de Veracruz) permet d’en saisir la logique communautaire, charismatique et para-ecclésiale.

19 mai 2015 : Sara Le Menestrel, « “Music is not a crime !” La législation sur la musique live dans La Nouvelle Orléans post Katrina ».

La musique est emblématique de La Nouvelle Orléans. L’ouragan Katrina en 2005 n’a fait que renforcer ce lien entre la scène musicale et la ville en suscitant nombre de publications, de disques et de productions audio-visuelles soulignant à quel point leurs destinées étaient indissociables. Ces dernières années, les litiges sur la législation en vigueur concernant la musique live ont mis en lumière les dissensions entre différents acteurs de l’arène publique (municipalité, acteurs de la scène musicale et associations de quartiers). L’analyse de ces débats met en lumière des perceptions conflictuelles du bruit et de la spécificité de la ville et fait surgir la notion d’espace public comme un espace de contestation qui reflète des processus à l’œuvre au-delà des frontières louisianaises. Elle permet ainsi de ne pas cantonner La Nouvelle Orléans à une ville unique et à une position périphérique qui perpétue sa vulnérabilité politique, sociale et environnementale, en inscrivant ces conflits dans des débats plus larges sur le contrôle et la délimitation de l’espace public.

2 juin 2015 : Autour de la notion de saturation.

 

Séminaire 2013-2014- Bibliographies des séances

12 novembre : “Composer avec : contextes, situations”

 

Benjamin Walter, L’Œuvre d’art à l’époque de sa reproduction mécanisée :

http://www.larevuedesressources.org/l-oeuvre-d-art-a-l-epoque-de-sa-reproduction-mecanisee,1976.html

Herzfeld Michael, 
2007, L’intimité culturelle: poétique sociale de l’État nation. Québec : Presses de l’Université de Laval.

Le Menestrel Sara, Argyriadis Kali, Apprill Christophe, Mallet Julien, Puig Nicolas, Guillaume Samson, Segré, Gabriel 2012, Des vies en musique. Parcours d’artiste, mobilités, transformations, Éditions Hermann.

Puig Nicolas, 2012, « La cause du rap, Engagements d’un compositeur palestinien au Liban », Cahiers d’ethnomusicologie, Société française d’ethnomusicologie, n°25, 93-109.

Schaeffer Pierre, 1966, Traité des objets musicaux, Paris.

Pour une introduction à l’œuvre de Pierre Schaeffer : Michel Chion, Guide des objets sonores, Pierre Schaeffer et la recherche musicale, INA, GRM, Buchet Castel, 1983, 186 p.

Soundcloud Osloobhttps://soundcloud.com/katibe-5

Trailer 3ala-l-Hifé (sur la marge, depuis la périphérie) – https://www.youtube.com/watch?v=7Qca62jPuWs&feature=youtu.be

 

17 décembre : “Composer avec : Bricolage et syncrétisme”

APPADURAI, Arjun, 1996, Modernity at large. Cultural Dimension of Globalization, Minneapolis / London, Minnesota UP.

BASTIDE Roger, 1970, « Mémoire collective et Sociologie du bricolage », L’année sociologique, vol. 21, pp. 65-108.

CAPONE, Stefania, CHAMPION, Françoise, BERNAND, Carmen, LENOIR, Frédéric, « Regards croisés sur le bricolage et le syncrétisme », Archives de Sciences sociales des Religions n°114, avril-juin 2001, pp. 39-60.

CHAMPION, Françoise, 2000, « La religion à l’épreuve des Nouveaux Mouvements Religieux », Ethnologie française XXX, 4, pp. 525-533.

HERSKOVITS, Melville J., [1941] 1990, The Myth of the Negro Past, Boston, Beacon.

HERVIEU-LÉGER Danièle, 1993, La religion pour mémoire, Paris, Cerf.

HERVIEU-LÉGER DANIÈLE, 2001, La religion en miettes ou la question des sectes, Paris, Calmann-Lévy.

LÉVI-STRAUSS, Claude, 1962, La Pensée sauvage, Paris, Plon.

MARY, André, 1994, « Bricolage afro-brésilien et bris-collage postmoderne », in Paul Laburthe-Tolra, éd., Roger Bastide ou le réjouissement de l’abîme, Paris, L’Harmattan, pp.85-98.

MARY André, 2000, Le bricolage africain des héros chrétiens, Paris, Cerf.

MARY, André, 2001, « En finir avec le bricolage », Archives de Sciences Sociales des Religions, n° 116, pp. 27-30. (consulter également : bricolage, définition critique)

ORTIZ, Fernando, 1940, “El fenómeno social de la transculturación y su importancia en Cuba“, Revista Bimestre Cubana, vol. XLV, n° 2, septiembre-octubre, La Habana.

VAN HOVE, Hildegard, 1999, « L’émergence d’un “marché spirituel” », Social Compass, 46(2) pp. 161-172.

YORK, Michael, 1999, « Le supermarché religieux : ancrages locaux du Nouvel Age au sein du réseau mondial », Social Compass, 46(2), pp. 173-179.

 

21 janvier : “Les états de la performance : Formes d’interactions, médiateurs”

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Joseph, Isaac, 2002, Erving Goffman et la microsocologie, Paris, PUF.

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Puig, Nicolas, 2008, « Le mariage, c’est du flous, et c’est tout ! Rôle et
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des économistes, Argent des Anthropologues
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contemporaines”, 115-134.

Rancière, Jacques, 2008, Le spectateur émancipé, Paris, La fabrique Editions.

Sakakeeny, Matt, 2013, Roll With It. Brass Bands in the Streets of New Orleans, Durham : Duke University Press.

Terrin, Jean-Jacques, 2012, La ville des créateurs, Marseille, Parenthèses.

4 février : “Les états de la performance : Transe et conscience modifiée”

Rêve, possession, fiction : retour sur les classiques – Kali Argyriadis

La question des « états de la performance » est centrale pour notre réflexion, puisqu’elle nous permet de sortir de l’opposition création / réception, ou individu créateur / public. Il s’agira de réfléchir ici à la corrélation entre la performance dite de la “transe” (dans ses nombreuses variantes), en tant que fiction, composition, manifestation d’un ou plusieurs individus qui se déploie dans un cadre et des règles collectives, et l’élaboration ou la composition d’une œuvre artistique. Le tout non pas au nom d’une mystique de l’inspiration, mais plutôt dans l’idée qu’il n’y a pas de création possible sans interactions.

L’abrazo du tango : une transe de basse intensité – Christophe Apprill

Comment une pratique ordinaire, dite « populaire » – qui n’a pas de dimension religieuse, ni spirituelle, et n’appartient pas aux mondes de l’art – organise les conditions pour que les participants entrent dans un « état de conscience modifié », sans que l’on puisse assimiler cet état à l’état de transe de possession dans les contextes rituels tel qu’il a été observé, parfois vécu, et analysé par les anthropologues. En quoi cette pratique d’amateurs constitue une échappée en dehors de la « vraie vie », et par conséquent l’entrée sur une scène (sociale) où prévaut un « état de conscience modifié ». Soit une transe de basse intensité. Comment cet état, qui ne relève ni de la création, ni d’une forme de réception, mais davantage d’une interaction corporelle avec un partenaire codifiée par une culture de danse, questionne-t-il notre problématique ?

Apprill Christophe, 1998, Le tango argentin en France, Paris, Anthropos – Economica.

Artaud, Antonin, 1972 [1938], Le théâtre et son double, Paris, Gallimard.

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Augé, Marc, 1982, Génie du paganisme, Paris, Gallimard.

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Augras, Monique, 1992, Le double et la métamorphose : l’identification mythique dans le candomblé brésilien, Paris, Méridiens Klincksieck.

Bastide, Roger, 2003 [1972], Le rêve, la transe et la folie, Paris, Seuil.

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Fancello, Sandra, 2008, « Sorcellerie et délivrance dans les pentecôtismes africains », Cahiers d’études africaines, « Territoires sorciers », XLVIII (1-2), n° 189-190, pp. 161-183.

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Heutte, Jean & Fenouillet, Fabien (2010) Propositions pour une mesure de l’expérience optimale (état de Flow) en contexte éducatif. Actes du 8e Congrès international d’actualité de la recherche en éducation et en formation (AREF) 2010, Genève (Suisse), 13 – 16 septembre 2010.
– Site Jean Heutte : http://jean.heutte.free.fr/

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Métraux, Alfred, 1958, Le Vaudou haïtien, Paris, Gallimard.

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18 mars : “Diffusion :  Construction de la postérité”

Sur la célébrité et la consommation de la célébrité

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Les notions de mythe et de rite

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Sur les mythes (et rites) contemporains. De la consommation à la dévotion. De l’histoire au mythe

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Sur les vedettes. Les carrières posthumes

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Sur les dangers de la métaphore religieuse et l’analogie religieuse

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Turino (Thomas), Music as Social Life: The Politics of Participation. Chicago: University Of Chicago Press, 2008.

Wade (Peter), Music, race and Nation: Música tropical in Columbia. Chicago, University of Chicago Press, 2000.

— « Rethinking mestizage: ideology and lived experience », Journal of Latin American Studies, 2005, 37: p. 239-257.

 

20 mai : “Réception: La réception comme processus de création

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CERTEAU Michel, (1974), La culture au pluriel, Union Générale d’Edition, Paris.
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VERON Eliséo, LEVASSEUR Martine, (1983), Ethnographie d’une exposition. L’espace, le corps et le sens, B.P.I., Centre G. Pompidou.

3 juin : “Réception: Censure et création”

 Plaisir de la danse et passage à l’acte – Christophe Apprill
Il existe peu de cas de censure véritable au sein de l’espace de relation hétérosexuel des danses sociales. Mais ces moments de corps à corps détiennent une capacité à susciter le vagabondage  de l’imaginaire des spectateurs et des danseurs vers les plaisirs de la chair. Comment analyser les liens entre la pratique de la danse et le sexe ? Quels agencements de la censure est-il possible d’observer chez les pratiquants, ainsi que dans ma position de chercheur ? Qu’en est-il des processus de création de soi à travers ces agencements ?

Bozon Michel, Heran François, 1987, « La découverte du conjoint. I. Evolution et morphologie des scènes de rencontre », Population, n°6, pp. 943-986.

Buch Esteban, 2011, « A propos de la “danse maudite” : La censure du tango par l’Eglise », Colloque international Tango : création, identifications, circulations, Paris, EHESS, http://globalmus.net/IMG/mp3/281011_esteban_buch_salle7.mp3

Dejours Christophe, 2013, Travail vivant. 1 : sexualité et travail, Paris, Payot.

Flahaut François, 2002, Le sentiment d’exister. Ce soi qui ne va pas de soi, Paris, Descartes et Cie.

Foucault Michel, 2014, Subjectivité et vérité. Cours au collège de France, 1980-1981, Paris, EHESS, Gallimard, Seuil.

Latour Bruno, 2000, « Factures/fractures : de la notion de réseau à celle d’attachement » in Ce qui nous relie, André Micoud et Michel Peroni, La Tour d’Aigues, Editions de l’Aube , pp. 189 – 208

Le Breton David, 1990, Anthropologie du corps et modernité, Paris, PUF.

Bibliographie sélective sur la méthodologie ethnographique

Caratini, Sophie, 2004, Les non-dits de l’anthropologie, Paris, PUF, collection
Libelles.

Cefaï (Daniel), L’Enquête de terrain, Paris, Éditions La Découverte, Recherches, Série « Bibliothèque du MAUSS », 2003.

__________L’engagement ethnographique, Paris, Éditions de l’EHESS, coll. « En Temps & Lieux », 2010.

Copans, Jean, 2011, L’enquête ethnologique de terrain: L’enquête et ses méthodes, Paris, Armand Collin (3ème édition).

__________ 2008, L’enquête et ses méthodes : l’enquête ethnologique de terrain, Paris, Armand Collin (2ème édition).

Demazière Didier, Dubar Claude, 1997,  Analyser les entretiens biographiques. L’exemple des récits d’insertion, Paris, Nathan.

Ghasarian, Christian (dir.), 2002, De l’ethnographie à l’anthropologie réflexive. Nouveaux terrains, nouvelles pratiques, nouveaux enjeux, Paris, Armand Collin.

Laplantine, François, 1998, L’anthropologie, Paris, Payot

___________La description ethnographique, Paris, Nathan, 1996.

Olivier de Sardan, Jean-Pierre, 2003, « L’enquête socio-anthropologique de terrain : synthèse méthodologique et recommandations à usage des étudiants », Octobre, Etudes et Travaux n° 13.

Pinçon, Michel, Pinçon-Charlot Monique, 2005, Voyage en grande bourgeoisie. Journal d’enquête, Paris, P.U.F.

Stocking, George W. Jr. 1992. The Ethnographer’s Magic and Other Essays in the History of Anthropology, University of Wisconsin Press.

Weber, Florence, 2009, Manuel de l’ethnographe, PUF, Quadrige.

Séminaire “De la création à la réception musicale : production de sens et recompositions”, 2013-2014

http://www.ehess.fr/fr/enseignement/enseignements/2013/ue/245/

Ce séminaire propose d’explorer la notion de créativité musicale et chorégraphique en tenant compte de toutes les étapes inhérentes au processus créatif, depuis la composition jusqu’à la réception et à la diffusion d’une œuvre ou d’un événement, dans un contexte mondialisé de circulations des pièces et des répertoires.

Au sens propre et de façon évidente, la composition renvoie à la création culturelle. Mais elle peut aussi, dans un sens métaphorique, être appréhendée sous l’angle des agencements ou des « façons d’assembler » : des sons, des gestes, des matériaux qui peuvent, le cas échéant, rendre visible les indexations à des univers culturels disjoints et hétérogènes. On pourra également envisager la « composition » (et le fait de « composer avec ») comme une transaction complexe, qui se jouerait entre un ou plusieurs « créateurs » et leur public, partie prenante de la performance et donc de la création. On se demandera si l’appropriation des moyens technologiques actuels permet le passage d’une réception active (structure pyramidale ?) à une réception générant des formes inédites de composition et de diffusion (configuration horizontale ?), au travers de la production de sens, de produits, d’œuvres et de pratiques.

Il s’agira ainsi d’analyser le processus créatif en tenant compte à la fois des dynamiques d’innovation et de créativité individuelles, des contraintes liées aux objets eux-mêmes et aux contextes, et des dynamiques de réception. Cette démarche s’inscrira dans une volonté de dépassement des paradigmes du métissage et de la création pour comprendre et décrire les mécanismes de transformations, de création, d’adaptation et d’ajustements (ces termes n’étant pas limitatifs), en partant du terrain et en réintroduisant l’individu dans l’analyse des interactions musicales et chorégraphiques.

Calendrier :

12 novembre (attention changement de salle et d’horaire : salle 2, 105 bd Raspail 75006 Paris de 11 h à 14 h) : “Composer avec : contextes, situations”

17 décembre : ” Composer avec : Bricolage et syncrétisme

21 janvier : “Les états de la performance : Formes d’interactions, médiateurs”

4 février : “Les états de la performance :Transe et conscience altérée”

18 mars : “Diffusion :  Construction de la postérité”

Attention changement de date 8 avril : “Diffusion : Circulations des interprètes et des répertoires

20 mai : “Réception: La réception comme processus de création

3 juin : “Réception: Censure et création”

Compte-rendu du séminaire Vivre et pratiquer la recherche en anthropologie de la musique et de la danse, 2012-2013

Ce séminaire collectif portait sur le métier de chercheur tel qu’il se vit au quotidien dans le champ des études sur la musique. Il s’agissait d’aborder notre travail dans sa dimension artisanale. Si les questions méthodologiques et la relation d’enquête ont été partie intégrante de ce séminaire, il a intégré des thématiques plus larges en déroulant chacune des étapes de nos parcours : les raisons qui nous amènent à choisir un sujet (personnelles, institutionnelles, statutaires, disciplinaires…), la légitimité des sujets choisis, l’enquête (le travail de préparation, nos expériences d’observation et d’entretien, les impasses rencontrées, les faux pas, les erreurs commises), l’engagement, la spécificité de certaines spécialités (comme l’ethnomusicologie), les stratégies de publication. Tous les éléments qui ont façonné notre pratique et guidé nos parcours ont ainsi été abordés, dans une perspective d’objectivation et de dévoilement.

 

 

séance 1 : Légitimité des objets

 

Cette séance a abordé la question de la hiérarchie entre les objets. Alors que certains objets occupent une place centrale dans les enjeux de société contemporains, ils peinent à obtenir une légitimité.  Dans le cas des danses sociales, cette résistance provient d’une hiérarchisation des objets opérée par la communauté des chercheurs elle-même. L’exemple de la danse permet d’avancer l’hypothèse selon laquelle elle serait un objet peu légitime en tant qu’univers féminin, bien souvent déserté par le pouvoir.

 

 

séance 2 : Construction de l’objet, choix des terrains et motivations personnelles

 

La construction de l’objet  renvoie à deux approches distinctes. La sociologie du fait social et l’approche hypothético-déductive (de l’hypothèse à l’observation), et l’approche inductive (du terrain au concept). La première défend l’idée de la nécessaire rupture selon laquelle le bon objet est un objet construit. A l’autre pôle, la démarche inductive, qui souvent caractérise l’ethnologie, promeut l’étude de cas, le travail de terrain et affirme la possibilité de valider du sens à partir des données (cf interactionnisme, ethnométhodologie, Grounded Theory). La pratique montre que les chercheurs procèdent bien souvent par va et vient entre induction et déduction, dans une oscillation permanente entre terrain et théorie.

 

Séance 3 : Techniques d’observation

Longtemps, l’ethnographie était synonyme d’immersion longue. Malgré ce postulat, les ethnologues ne vivent souvent pas avec les gens sur le long terme. Si la méthode de la participation observante est extrêmement enrichissante, elle doit être accompagnée d’une réflexion nécessairement distanciée. Le présupposé monographique a été remis en question par James Clifford, qui a introduit la notion d’anthropologie itinérante ou « translocale ». La notion de terrain « multi-situé » (Marcus) est particulièrement appropriée pour un objet qui se construit de façon transnationale. Mais elle ne résout pas, à l’échelle d’un seul chercheur, le problème de la description, à densité égale, de tous les groupes sociaux et contextes pratiqués au sein d’un même champ social transnational. Le terrain transnational montre la nécessité d’un travail transdisciplinaire incluant la pratique de l’ethnographie collaborative.

 

Séance 4 : Posture et statut du chercheur

Loin d’être neutre, stable, ou claire pour l’enquêté, la relation d’enquête est avant tout incongrue. La posture d’enquête réflexive amène à inclure dans l’analyse le contexte de production de la recherche. Certains ont opté pour un relativisme radical qui rend la comparaison et les généralisations anthropologiques impossibles. Mais c’est en donnant au lecteur les moyens d’évaluer la partialité de l’entreprise ethnographique que l’on contribue à la connaissance des sociétés humaines. La légitimité et le sens de notre démarche repose sur une posture faite d’implication et de distanciation et de mise à distance du soi. Le chercheur peut également tirer parti de la modification qu’implique sa presence (Devereux, Althabe). La multiplicité des identités du chercheur, assignées ou revendiquées, fait apparaitre la question du statut de l’ethnologue sous la forme d’un continuum, sur lequel le chercheur se positionne différemment selon les situations.

 

 

Séance 5 : Implication du chercheur par rapport à son objet

 

Cette séance a abordé la question de l’inscription de la recherche dans des contextes d’action culturelle et institutionnelle. Il a été question de la façon dont des acteurs culturels et des institutions investissent la recherche, avec des attentes particulières, soit en commandant des travaux, soit en réutilisant des travaux préexistants, soit en sollicitant des chercheurs pour des interventions publiques. Le chercheur est alors inscrit dans un processus collectif à plusieurs dimensions (politiques, artistiques, religieuses…) qu’il alimente de façon plus ou moins assumée et contrôlée. L’ensemble de cette présentation a été illustrée par une réflexion sur la notion d’engagement dans le contexte du Pôle régional des musiques actuelles de La Réunion où l’intervenant exerce la fonction de chargé de mission.

 

Séance 6 : Engagement et relations humaines

Cette séance a abordé les degrés de relation avec les enquêtés et la nécessité de composer avec eux dans la façon dont nous restituons notre travail de terrain. L’exemple étudié était celui d’une relation longue et amicale tissée entre un musicien malgache de tsapiky et un ethnomusicologue, confronté à sa propre incorporation dans les affres du parcours individuel du musicien installé en France.

 

Séance 7 : Valorisation du travail : pratiques, stratégies, injonctions

Cette séance a abordé différents aspects de la valorisation du travail du chercheur : le cadre du service public, la recherche sous contrat, les obligations institutionnelles et professionnelles, les injonctions auxquelles nous sommes soumis de la part de divers commissions et comités, les instances de reconnaissance, les systèmes de classements et leurs effets pervers.

 

 

Séance 8 : Recherche et société civile

 

Cette dernière séance a été l’occasion de faire une synthèse du séminaire, de souligner certains aspects fondamentaux de la pratique de la recherche et  certains points transversaux aux différents thèmes abordés. Un dernier thème a également été abordé: celui des liens entre recherche et société civile et de la façon dont le chercheur peut répondre à la demande sociale, dans différents domaines (enquêtes de publics, politique culturelle) et différents pays (Amérique latine, Etats-Unis, où la notion d’engagement est indissociable du travail du chercheur).

Vivre et pratiquer la recherche en anthropologie de la musique et de la danse

Programme des séances

3e mardi du mois de 10 h à 13 h (salle 12, 105 bd Raspail 75006 Paris), du 20 novembre 2012 au 18 juin 2013

Ce séminaire collectif porte sur le métier de chercheur tel qu’il se vit au quotidien dans le champ des études sur la musique. Il s’agira d’aborder notre travail dans sa dimension artisanale, au travers de nos itinéraires individuels. Si les questions méthodologiques et la relation d’enquête font partie intégrante de ce séminaire, il intégrera des thématiques plus larges en déroulant chacune des étapes de nos parcours : les raisons qui nous amènent à choisir un sujet (personnelles, institutionnelles, statutaires, disciplinaires…), la légitimité des sujets choisis, l’enquête (le travail de préparation, nos expériences d’observation et d’entretien, les impasses rencontrées, les faux pas, les erreurs commises), l’engagement, la spécificité de certaines spécialités (comme l’ethnomusicologie), les stratégies de publication. Tous les éléments qui ont façonné notre pratique et guidé nos parcours seront ainsi abordés, dans une perspective d’objectivation et de dévoilement. Les séances, organisées par thème, comprendront plusieurs chercheurs (issus de l’équipe ou invités) afin de confronter leur expérience.

Programme :

20 novembre : Légitimité des objets

18 décembre : Construction de l’objet, choix des terrains et motivations personnelles

15 janvier : Techniques d’observation

19 février : Posture et statut du chercheur

19 mars : Implication du chercheur par rapport à son objet

16 avril : Engagement et relations humaines

21 mai : Valorisation du travail : pratiques, stratégies, injonctions.

4 juin : À déterminer

Photos

Photographies en rapport avec le texte de Sara Le Menestrel : Lori, Linda, Andrea… Cheminements d’amateurs de musique franco-louisianaise

 

Tom's acoustic jam, Arnaudville

 

Jam à Tom's, sur la terrasse à l’arrière de la boutique, Arnaudville, 1er novembre 2009. Lori et Shane, un Californien qui vient régulièrement séjourner dans la région, chantent une chanson country. Au premier plan, Rick, musicien de bluegrass.

 

Jam à Tom's, Lori au Yukulélé, Arnaudville

 

Tom's, cuisine et atelier à l'arrière de la pièce principale

 

Lâche Pas (Linda, Andrea et Missy en special guest) à Nunu’s, Arnaudville, 1er novembre 2009

 

Jam avec deux grandes figures de la musique old-time, Tracy Schwartz et Gilly Hawker, Blackpot Festival, 2010, Lafayette

 

Jam à Tom's, Tracy Schwartz, Ginny Hawker et les membres du groupe Foghorn Stringband de Portland, Oregon

 

Ashokan (New York State), Southern Week, 2008. Cours de violon old-time

 

Ashokan (New York State), Southern Week, 2008. Atelier avec les membres du groupe louisianais The Red Stick Ramblers (ici, Linzay Young et Kevin Wimmer)

 

Programme d’une journée au Balfa Camp, avril 2008

 

« Band Lab » au Balfa camp, 2008. Des stagiaires forment un groupe et interprètent un morceau devant des enseignants du stage pour recevoir leur conseils. Ici, Tracy Schwarz (grande figure de la musique old-time) et les musiciens louisianais Kevin Wimmer et Steve Riley (caché), observent les stagiaires.

 

Performance de musiciens issus de différents groupes au Balfa Camp, 2008. De gauche à droite: Kevin Wimmer, Ed Poullard (frère de Danny Poullard), Preston Franck et Dirk Powell.

 

Linda accompagne Ed Poullard lors d’un atelier qu’il dirige. Balfa Camp, 2008.

Parcours de Sara Le Menestrel

Été 1986. Pour la première fois, je traverse l’Atlantique pour rendre visite à une amie d’enfance. Au cours de notre périple le long du fleuve Amazone, nous rencontrons les Grenands, un couple d’anthropologues spécialistes des indiens Wayãpi de Guyane. Je suis fascinée par leurs récits et époustouflée par la forêt amazonienne. Tout au long de mon cursus scolaire, je ne pense qu’à une chose : devenir anthropologue. Mon entourage s’échine à m’éloigner de ce fol objectif. On me dit qu’il me faut au moins emprunter la voie des grandes écoles avant de me perdre dans la forêt tropicale. J’essaie la prépa, je me morfonds, et après un détour par l’histoire, je finis par m’inscrire à Nanterre en licence d’ethnologie, sous les regards contrits de ma famille. J’y rencontre Kali Argyriadis avec qui nous cheminons côte-à-côte depuis lors.

Frustrée par une éducation qui me marginalisait en me privant de l’apprentissage de l’anglais au lycée, je décide de suivre un programme linguistique dans une université américaine, bien que les États-Unis ne m’enthousiasment guère. Tulane University se présenta par hasard, mon ami de l’époque s’y étant lui-même inscrit et me proposant d’aller par la suite rendre visite à un parent à Lafayette. Après cinq semaines à La Nouvelle-Orléans, rien ne m’avait donné le moindre indice de la présence d’une culture franco-louisianaise. J’arrivais donc à Lafayette sans aucune attente. Les multiples annonces de festivals placardées dans la ville qui proclamaient la « joie de vivre » cadienne retinrent mon attention. Je discutais et me perdais dans des discours contradictoires. Intriguée, je décidais de consacrer ma maitrise aux festivals cadiens et retournais à Lafayette à l’automne 1992 pour une première enquête de terrain de trois mois.

J’assistai ainsi au festival du bétail d’Abbeville, à quelques kilomètres au sud de Lafayette. Mais les reines, les groupes scolaires de danse et les véhicules publicitaires qui défilaient dans la parade ne présentaient à mes yeux aucune singularité, et la peau d’alligator qui ornait le char d’une des souveraines m’apparaissait comme un piètre effort de couleur locale. Dans les discours, point de français. La nourriture se limitait à quelques spécialités locales perdues parmi les hamburgers, beignets et crèmes glacées. Les gadgets estampillés “cadiens” présentaient cette population sous les traits de joyeux drilles, amateurs de “bons temps” et de bonne chère. Cette première expérience m’amenait à penser que la culture franco-louisianaise relevait davantage de l’attraction touristique que de la réalité, et si ma formation d’ethnologue n’en était qu’à ses balbutiements, j’étais déjà convaincue que seuls les touristes crédules – pléonasme, pensais-je alors – pouvaient être dupes.

Un dernier char vint clore le défilé de la parade. Rien n’attirait le regard sur ce véhicule dépouillé, si ce n’est un panneau accroché à son flanc sur lequel on pouvait lire : “Cajun Culture Association”. Je décidai alors de héler les quelques couples qui s’y trouvaient, qui eurent tout juste le temps de griffonner leurs coordonnées tandis que le char s’éloignait. C’est donc dans un lieu dont tout portait à croire qu’il n’avait rien à m’apprendre que débuta ma première liaison avec des Cadiens. Au-delà des indéniables distorsions de la représentation touristique, je pris progressivement conscience des liens complexes qu’elle entretient avec la réalité autochtone.

Je poursuivis ma recherche dans le cadre de ma thèse, qui porta sur le tourisme culturel et les constructions identitaires des Cadiens. Pendant mes enquêtes de terrain, je résidais chez des musiciens amateurs et professionnels dont je deviens très proche. Immergée dans la musique franco-louisianaise, je réalisai qu’en jouer me rapprocherait d’eux et me permettrait de surcroit de mieux saisir son importance dans la promotion touristique de la région. Je commençais par le ‘tit fer (triangle), un instrument dont la technique, malgré les apparences, n’est pas à la portée de tous. Mon mentor enregistrait sur des cassettes des dizaines d’heure de musique pour que je puisse m’entrainer. Il m’encouragea à l’accompagner dans des jam sessions, puis lors de concerts dans des maisons de retraites et des festivals. Il me fallut bien plus de temps pour me convaincre de jouer du violon. Ma formation classique me laissait désemparée face à un apprentissage à l’oreille. Je récoltais des enregistrements de toutes parts, suivais des stages en France, pratiquais à l’aide de CD, et commençais à jouer avec d’autres en Louisiane. Conditionnée par les concours indissociables du cursus classique, il me fallut plusieurs années avant de saisir la primauté de la sociabilité sur la performance dans la pratique musicale franco-louisianaise. Les inlassables encouragements de mes amis eurent finalement raison de mon anxiété. Jouer avec d’autres me procura un plaisir jusqu’alors inégalé. Je compensais également ma position d’observatrice. J’étais enfin en mesure de donner, et non plus simplement de recevoir.

Pendant la rédaction de ma thèse à Paris, je rejoignis un groupe de « Francadiens » et commençais à donner des concerts dans la région parisienne et en province. Cette implication ne fit que renforcer ma légitimité auprès de mon entourage louisianais, qui tirait une fierté certaine de contribuer ainsi au développement d’un réseau d’amateurs de musique franco-louisianaise en France. Lorsque mon groupe se rendit en Louisiane, nombre d’amis s’employèrent à nous faire jouer dans les salles de danse des environs et à venir nous soutenir.

Munie de mon diplôme de doctorat en 1997, j’allais m’inscrire en toute logique au chômage. Entre charge de TD à Nanterre, cours de soutien scolaire, traductions et enquêtes ethnologiques contractuelles, je découvrais les guinguettes des bords de Marne. Moi qui insistais sur la singularité de l’attachement des Louisianais à la danse, j’entrevoyais chez les danseurs de Chez Gégène, du Petit Robinson et de la guinguette de l’Ile du Martin-Pêcheur un engagement et une sociabilité qui m’évoquaient sans conteste les danseurs louisianais. J’embarquais Kali et au terme de quelques années d’enquête financée par la Mission du patrimoine ethnologique, nous finîmes par écrire ensemble Vivre la guinguette. Éprouvée par deux années de candidatures au CNRS, je décidais de soumettre une dernière fois mon dossier au concours. J’obtins cette année-là un poste, de même que Kali. Je décidais alors de m’emparer de la musique comme porte d’entrée pour explorer les relations sociales entre Cadiens et Créoles et éclairer la ligne de couleur qui surgissait dans leurs interactions. Au cours des années 2000, j’organisais au sein de mon laboratoire un groupe de recherches sur les musiques populaires qui m’amena à rencontrer Gabriel Segré, puis plus tard les autres membres de l’équipe Musmond.

A la fin de l’été 2005, je m’apprêtais à poursuivre l’analyse de mes données et à effectuer une dernière enquête de terrain avant d’entreprendre la rédaction d’un ouvrage sur la musique franco-louisianaise. Mais le 29 août, le jour-même où notre équipe revenait d’un colloque mémorable à Veracruz, au Mexique, l’ouragan Katrina et l’effondrement des digues dévasta La Nouvelle-Orléans. Un mois plus tard, le Sud-Ouest louisianais pris le relais avec Rita. Sans nouvelle de mes amis néo-orléanais, devenus injoignables alors que 80 % de la ville était submergée, je fus envahie par un douloureux sentiment d’impuissance que mon entourage français peinait à comprendre. Sur le coup de l’émotion, je pensais d’abord m’y rendre dans le cadre d’une association humanitaire. Au fil des semaines, je transformais ce désir irrépressible d’agir en une enquête ethnologique avec un collègue de l’université de Louisiane à Lafayette. La mise au jour dramatique d’inégalités sociales préexistantes, la réactivation, voire l’exacerbation de clivages dans la gestion et l’interprétation de la catastrophe exigeaient la mise en œuvre d’un nouveau projet. Dès le début du mois d’octobre, je me rendais à Lafayette et débutais une série d’enquêtes de terrain qui se poursuivit jusqu’en août 2006. Je m’initiais alors abruptement à l’anthropologie de la catastrophe, et mettais entre parenthèse ma recherche sur la musique franco-louisianaise. Ce n’est qu’à l’automne 2007 que je repris mon travail sur ce thème en allant m’établir dans le Sud-Ouest louisianais pendant près d’un an. Au terme de mon congé maternité, je n’avais qu’une hâte : me rendre à une jam et reprendre mon observation. Un ami m’en avait indiquée une nouvelle à Arnaudville, une petite bourgade où s’étaient établis plusieurs passionnés de musique franco-louisianaise venus de Californie. A peine avais-je sorti mon violon que Lori, qui organisait cette jam, me demanda si elle pouvait s’occuper de mon nouveau-né. Je m’insérais alors dans tout un réseau de transplants, dont je fis moi-même partie.

Vidéos

Vidéos en rapport avec l’article de Sara Le Menestrel : Lori, Linda, Andrea… Cheminements d’amateurs de musique franco-louisianaise

Chanson « Zydeco Obama »

Lâche Pas, « Le Jig français »

Canray Fontenot & Bois sec Ardoin, « Bonsoir Moreau »

Cours de zydeco avec Lori

 

The Red Stick Ramblers jouent une de leur composition blues, “Doggone My Time”.
Linzay Young (voix, violon), Kevin Wimmer (violon), Chas Justus (guitar), Eric Frey (bass).

 

Bal de fin de stage, The Red Stick Ramblers avec des stagiaires.
On peut apercevoir Jim Phillips et Christy Leichty danser au premier plan (à 1:03mn)